画廊艺术品

GILBERT - 无题(自行车),2012年,喷墨和马克笔在1950年代的标牌上,80 x 80厘米定制的街道家具和被涂鸦和重新解释的公共交通物品侵入了Wallworks画廊的地下室空间,举办了不寻常的展览 "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL"。展览通过一个布满标签和涂鸦的楼梯进入。在RATP拍卖会上发现或最近获得的作品,艺术家们接管了所有类型的城市和公共交通元素:电话亭、交通灯、路灯、搪瓷路牌、铁窗帘、信箱、巴黎、莫斯科和纽约的地铁标志、公共汽车站牛头、公路和铁路标志、SNCF洗脸盆、RATP座椅和其他汽车部件......开幕式上展示的七件作品--包括标志性的黄色塑料M、珐琅板和地铁门--注定要被新的艺术家定制,并在未来的艺术表演中最终完成。36位来自涂鸦或城市艺术运动的美国、欧洲、南亚和俄罗斯艺术家在一个巨大的、色彩斑斓的涂鸦混乱中赋予所有这些日常物品新的生命。这个新的群展遵循了之前汇集了大约50位街头艺术家的群展的原则--"Ne Pas Effacer"(2012)、"Intérieur Rue"(2013)、"Pièces détachées"(2014)、"Morceaux de rue"(2015)和 "Dehors Dedans"(2016)--其中克劳德-库内兹掌握着秘密。他将自己最初作为电影制片人的专业技术应用到展览的举办上,猎取城市中的古董家具,委托艺术家进行定制。最近在RATP的拍卖会上为社会救济会的利益而获得的,标志性的黄色塑料M--霓虹灯背光--和搪瓷铁质地铁铭牌,以及圆形的 "A Kiko "座椅--根据其设计者和创造者的说法,最初的构想是 "抗烧伤、划痕、涂鸦(原文如此)和机械压力"--从开幕时就被展示出来。然后,它们将被委托给新的艺术家,由他们对其进行定制,在整个展览期间举行的艺术表演中对它们进行最后的润色。除了以前展览中的一些老作品外,两块分别由COLORZ和PSYCKOZE制作的印有特罗卡德罗和斯特拉斯堡圣丹尼车站名称的大型珐琅牌,使这批公共交通和城市家具元素更加完整,所有这些都被自由和艺术地重新诠释。

1,200 EUR

INKIE - 无题(Chantier),2015年,英国金属牌上的丙烯酸和喷墨,85 x 75厘米定制的街道家具和被涂鸦和重新解释的公共交通物品侵入了Wallworks画廊的地下室空间,举办了不寻常的展览 "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL"。展览是通过一个排满标签和涂鸦的楼梯进入的。在RATP拍卖会上发现或最近获得的作品,艺术家们接管了所有类型的城市和公共交通元素:电话亭、交通灯、路灯、搪瓷路牌、铁窗帘、信箱、巴黎、莫斯科和纽约的地铁标志、公共汽车站牛头、公路和铁路标志、SNCF洗脸盆、RATP座椅和其他汽车部件......开幕式上展示的七件作品--包括标志性的黄色塑料M、珐琅板和地铁门--注定要被新的艺术家定制,并在未来的艺术表演中最终完成。36位来自涂鸦运动或城市艺术的美国、欧洲、南亚和俄罗斯艺术家在一个大型的、色彩斑斓的涂鸦集市中为所有这些日常物品赋予新的生命。这个新的群展遵循了之前汇集了大约50位街头艺术家的群展的原则--"Ne Pas Effacer"(2012)、"Intérieur Rue"(2013)、"Pièces détachées"(2014)、"Morceaux de rue"(2015)和 "Dehors Dedans"(2016)--其中克劳德-库内兹掌握着秘密。他将他最初作为电影制片人的专业技术应用于展览的举办,他猎取了城市的古董家具,并委托艺术家进行定制。最近在RATP的拍卖会上为社会救济会的利益而获得的,标志性的黄色塑料M--霓虹灯背光--和搪瓷铁质地铁铭牌,以及圆形的 "A Kiko "座椅--根据其设计者和创造者的说法,最初的设想是 "抗烧伤、划痕、涂鸦(原文如此)和机械压力"--从开幕时就被展示出来。然后,它们将被委托给新的艺术家,由他们对其进行定制,在整个展览期间进行的艺术表演中对其进行最后的润色。除了以前展览中的一些老作品外,两块分别由COLORZ和PSYCKOZE制作的印有特罗卡德罗和斯特拉斯堡圣丹尼车站名称的大型珐琅牌,使这批公共交通和城市家具元素更加完整,所有这些都被自由和艺术地重新诠释。

1,100 EUR

PERSUE - Nationalgraff, 2015, 纽约木质建筑屏障上的丙烯酸,18 x 95 cm定制的街道家具和被涂鸦和重新解释的公共交通物品侵入了Wallworks画廊的地下室空间,举办了不寻常的展览 "地下室的公共空间"。展览通过一个布满标签和涂鸦的楼梯进入。在RATP拍卖会上发现或最近获得的作品,艺术家们接管了所有类型的城市和公共交通元素:电话亭、交通灯、路灯、搪瓷路牌、铁窗帘、信箱、巴黎、莫斯科和纽约的地铁标志、公共汽车站牛头、公路和铁路标志、SNCF洗脸盆、RATP座椅和其他汽车部件......开幕式上展示的七件作品--包括标志性的黄色塑料M、珐琅板和地铁门--注定要被新的艺术家定制,并在未来的艺术表演中最终完成。36位来自涂鸦运动或城市艺术的美国、欧洲、南亚和俄罗斯艺术家在一个大型的、色彩斑斓的涂鸦集市中为所有这些日常物品赋予新的生命。这个新的群展遵循了之前汇集了大约50位街头艺术家的群展的原则--"Ne Pas Effacer"(2012)、"Intérieur Rue"(2013)、"Pièces détachées"(2014)、"Morceaux de rue"(2015)和 "Dehors Dedans"(2016)--其中克劳德-库内兹掌握着秘密。他将自己最初作为电影制片人的专业技术应用到展览的举办上,猎取城市中的古董家具,委托艺术家进行定制。最近在RATP的拍卖会上为社会救济会的利益而获得的,标志性的黄色塑料M--霓虹灯背光--和搪瓷铁质地铁铭牌,以及圆形的 "A Kiko "座椅--根据其设计者和创造者的说法,最初的构想是 "抗烧伤、划痕、涂鸦(原文如此)和机械压力"--从开幕时就被展示出来。然后,它们将被委托给新的艺术家,由他们对其进行定制,在整个展览期间举行的艺术表演中对它们进行最后的润色。除了以前展览中的一些老作品外,两块分别由COLORZ和PSYCKOZE制作的印有特罗卡德罗和斯特拉斯堡圣丹尼车站名称的大型珐琅牌,使这批公共交通和城市家具元素更加完整,所有这些都被自由和艺术地重新诠释。

800 EUR

RESO - 无题(法比安上校),2015年,巴黎地铁珐琅板上的气溶胶墨水和丙烯酸,35 x 120厘米定制的城市家具和被涂鸦和重新解释的公共交通物品已经侵入了Wallworks画廊的地下室空间,以举办不寻常的展览 "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL"。展览通过一个布满标签和涂鸦的楼梯进入。在RATP拍卖会上发现或最近获得的作品,艺术家们接管了所有类型的城市和公共交通元素:电话亭、交通灯、路灯、搪瓷路牌、铁窗帘、信箱、巴黎、莫斯科和纽约的地铁标志、公共汽车站牛头、公路和铁路标志、SNCF洗脸盆、RATP座椅和其他汽车部件......开幕式上展示的七件作品--包括标志性的黄色塑料M、珐琅板和地铁门--注定要被新的艺术家定制,并在未来的艺术表演中最终完成。36位来自涂鸦运动或城市艺术的美国、欧洲、南亚和俄罗斯艺术家在一个巨大的、色彩斑斓的涂鸦混乱中赋予所有这些日常物品新的生命。这个新的群展遵循了之前汇集了大约50位街头艺术家的群展的原则--"Ne Pas Effacer"(2012)、"Intérieur Rue"(2013)、"Pièces détachées"(2014)、"Morceaux de rue"(2015)和 "Dehors Dedans"(2016)--其中克劳德-库内兹掌握着秘密。他将他最初作为电影制片人的专业技术应用于展览的举办,他猎取了城市的古董家具,并委托艺术家进行定制。最近在RATP的拍卖会上为社会救济会的利益而获得的,标志性的黄色塑料M--霓虹灯背光--和搪瓷铁质地铁铭牌,以及圆形的 "A Kiko "座椅--根据其设计者和创造者的说法,最初的设想是 "抗烧伤、划痕、涂鸦(原文如此)和机械压力"--从开幕时就被展示出来。然后,它们将被委托给新的艺术家,由他们对其进行定制,在整个展览期间举行的艺术表演中对它们进行最后的润色。除了以前展览中的一些老作品外,两块分别由COLORZ和PSYCKOZE制作的印有特罗卡德罗和斯特拉斯堡圣丹尼车站名称的大型珐琅牌,使这批公共交通和城市家具元素更加完整,所有这些都被自由和艺术地重新诠释。

2,800 EUR

SENTE - 无题(东站),2022年,巴黎地铁牌匾上的喷墨和马克笔,37 x 210厘米定制的城市家具和被涂鸦和重新解释的公共交通物品已经侵入了Wallworks画廊的地下室空间,以举办不寻常的展览 "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL"。展览是通过一个排满标签和涂鸦的楼梯进入的。在RATP拍卖会上发现或最近获得的作品,艺术家们接管了所有类型的城市和公共交通元素:电话亭、交通灯、路灯、搪瓷路牌、铁窗帘、信箱、巴黎、莫斯科和纽约的地铁标志、公共汽车站牛头、公路和铁路标志、SNCF洗脸盆、RATP座椅和其他汽车部件......开幕式上展示的七件作品--包括标志性的黄色塑料M、珐琅板和地铁门--注定要被新的艺术家定制,并在未来的艺术表演中最终完成。36位来自涂鸦运动或城市艺术的美国、欧洲、南亚和俄罗斯艺术家在一个大型的、五颜六色的涂鸦集市中为所有这些日常物品赋予新的生命。这个新的群展遵循了之前汇集了大约50位街头艺术家的群展的原则--"Ne Pas Effacer"(2012)、"Intérieur Rue"(2013)、"Pièces détachées"(2014)、"Morceaux de rue"(2015)和 "Dehors Dedans"(2016)--其中克劳德-库内兹掌握着秘密。他将自己最初作为电影制片人的专业技术应用到展览的举办上,猎取城市中的古董家具,委托艺术家进行定制。最近在RATP的拍卖会上为社会救济会的利益而获得的,标志性的黄色塑料M--霓虹灯背光--和搪瓷铁质地铁铭牌,以及圆形的 "A Kiko "座椅--根据其设计者和创造者的说法,最初的构想是 "抗烧伤、划痕、涂鸦(原文如此)和机械压力"--从开幕时就被展示出来。然后,它们将被委托给新的艺术家,由他们对其进行定制,在整个展览期间进行的艺术表演中对其进行最后的润色。除了以前展览中的一些老作品外,两块分别由COLORZ和PSYCKOZE制作的印有特罗卡德罗和斯特拉斯堡圣丹尼车站名称的大型珐琅牌,使这批公共交通和城市家具元素更加完整,所有这些都被自由和艺术地重新诠释。

3,000 EUR

DER - D'Interdiction, 2013, 金属标牌上的喷墨和钢印, 67 x 67 cm定制的街道家具和被涂鸦和重新解释的公共交通物品侵入了Wallworks画廊的地下室空间,举办了不寻常的展览 "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL"。展览通过一个布满标签和涂鸦的楼梯进入。在RATP拍卖会上发现或最近获得的作品,艺术家们接管了所有类型的城市和公共交通元素:电话亭、交通灯、路灯、搪瓷路牌、铁窗帘、信箱、巴黎、莫斯科和纽约的地铁标志、公共汽车站牛头、公路和铁路标志、SNCF洗脸盆、RATP座椅和其他汽车部件......开幕式上展示的七件作品--包括标志性的黄色塑料M、珐琅板和地铁门--注定要被新的艺术家定制,并在未来的艺术表演中最终完成。36位来自涂鸦运动或城市艺术的美国、欧洲、南亚和俄罗斯艺术家在一个大型的、色彩斑斓的涂鸦集市中为所有这些日常物品赋予新的生命。这个新的群展遵循了之前汇集了大约50位街头艺术家的群展的原则--"Ne Pas Effacer"(2012)、"Intérieur Rue"(2013)、"Pièces détachées"(2014)、"Morceaux de rue"(2015)和 "Dehors Dedans"(2016)--其中克劳德-库内兹掌握着秘密。他将自己最初作为电影制片人的专业技术应用到展览的举办上,猎取城市中的古董家具,委托艺术家进行定制。最近在RATP的拍卖会上为社会救济会的利益而获得的,标志性的黄色塑料M--霓虹灯背光--和搪瓷铁质地铁铭牌,以及圆形的 "A Kiko "座椅--根据其设计者和创造者的说法,最初的构想是 "抗烧伤、划痕、涂鸦(原文如此)和机械压力"--从开幕时就被展示出来。然后,它们将被委托给新的艺术家,由他们对其进行定制,在整个展览期间举行的艺术表演中对它们进行最后的润色。除了以前展览中的一些老作品外,两块分别由COLORZ和PSYCKOZE制作的印有特罗卡德罗和斯特拉斯堡圣丹尼车站名称的大型珐琅牌,使这批公共交通和城市家具元素更加完整,所有这些都被自由和艺术地重新诠释。

1,200 EUR

RESO - 无题(行人......),2015,金属工作板上的丙烯酸,107 x 83 x 50厘米定制的街道家具和被涂鸦和重新解释的公共交通物品侵入了Wallworks画廊的地下室空间,举办了不寻常的展览 "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL"。展览通过一个布满标签和涂鸦的楼梯进入。在RATP拍卖会上发现或最近获得的作品,艺术家们接管了所有类型的城市和公共交通元素:电话亭、交通灯、路灯、搪瓷路牌、铁窗帘、信箱、巴黎、莫斯科和纽约的地铁标志、公共汽车站牛头、公路和铁路标志、SNCF洗脸盆、RATP座椅和其他汽车部件......开幕式上展示的七件作品--包括标志性的黄色塑料M、珐琅板和地铁门--注定要被新的艺术家定制,并在未来的艺术表演中最终完成。36位来自涂鸦运动或城市艺术的美国、欧洲、南亚和俄罗斯艺术家在一个巨大的、色彩斑斓的涂鸦混乱中赋予所有这些日常物品新的生命。这个新的群展遵循了之前汇集了大约50位街头艺术家的群展的原则--"Ne Pas Effacer"(2012)、"Intérieur Rue"(2013)、"Pièces détachées"(2014)、"Morceaux de rue"(2015)和 "Dehors Dedans"(2016)--其中克劳德-库内茨掌握着秘密。他将他最初作为电影制片人的专业技术应用于展览的举办,他猎取了城市的古董家具,并委托艺术家进行定制。最近在RATP的拍卖会上为社会救济会的利益而获得的,标志性的黄色塑料M--霓虹灯背光--和搪瓷铁质地铁铭牌,以及圆形的 "A Kiko "座椅--根据其设计者和创造者的说法,最初的构想是 "抗烧伤、划痕、涂鸦(原文如此)和机械压力"--从开幕时就被展示出来。然后,它们将被委托给新的艺术家,由他们对其进行定制,在整个展览期间举行的艺术表演中对它们进行最后的润色。除了以前展览中的一些老作品外,两块分别由COLORZ和PSYCKOZE制作的印有特罗卡德罗和斯特拉斯堡圣丹尼车站名称的大型珐琅牌,使这批公共交通和城市家具元素更加完整,所有这些都被自由和艺术地重新诠释。

1,500 EUR

TREBOR - 无题(Garges Les Gonesse),2022年,金属巴士标志上的标记,33 x 43厘米定制的城市家具和被涂鸦和重新解释的公共交通物品已经侵入了Wallworks画廊的地下室空间,以举办不寻常的展览 "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL"。展览通过一个布满标签和涂鸦的楼梯进入。在RATP拍卖会上发现或最近获得的作品,艺术家们接管了所有类型的城市和公共交通元素:电话亭、交通灯、路灯、搪瓷路牌、铁窗帘、信箱、巴黎、莫斯科和纽约的地铁标志、公共汽车站牛头、公路和铁路标志、SNCF洗脸盆、RATP座椅和其他汽车部件......开幕式上展示的七件作品--包括标志性的黄色塑料M、珐琅板和地铁门--注定要被新的艺术家定制,并在未来的艺术表演中最终完成。36位来自涂鸦运动或城市艺术的美国、欧洲、南亚和俄罗斯艺术家在一个大型的、色彩斑斓的涂鸦集市中为所有这些日常物品赋予新的生命。这个新的群展遵循了之前汇集了大约50位街头艺术家的群展的原则--"Ne Pas Effacer"(2012)、"Intérieur Rue"(2013)、"Pièces détachées"(2014)、"Morceaux de rue"(2015)和 "Dehors Dedans"(2016)--其中克劳德-库内兹掌握着秘密。他将自己最初作为电影制片人的专业技术应用到展览的举办上,猎取城市中的古董家具,委托艺术家进行定制。最近在RATP的拍卖会上为社会救济会的利益而获得的,标志性的黄色塑料M--霓虹灯背光--和搪瓷铁质地铁铭牌,以及圆形的 "A Kiko "座椅--根据其设计者和创造者的说法,最初的构想是 "抗烧伤、划痕、涂鸦(原文如此)和机械压力"--从开幕时就被展示出来。然后,它们将被委托给新的艺术家,由他们对其进行定制,在整个展览期间举行的艺术表演中对它们进行最后的润色。除了以前展览中的一些老作品外,两块分别由COLORZ和PSYCKOZE制作的印有特罗卡德罗和斯特拉斯堡圣丹尼车站名称的大型珐琅牌,使这批公共交通和城市家具元素更加完整,所有这些都被自由和艺术地重新诠释。

900 EUR

PIMAX - 无题(Goldorak),2013年,金属标牌上的丙烯酸板,67 x 67厘米。 定制的城市家具和被涂鸦和重新解释的公共交通物品侵入了Wallworks画廊的地下室空间,举办了不寻常的展览 "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL"。展览通过一个布满标签和涂鸦的楼梯进入。在RATP拍卖会上发现或最近获得的作品,艺术家们接管了所有类型的城市和公共交通元素:电话亭、交通灯、路灯、搪瓷路牌、铁窗帘、信箱、巴黎、莫斯科和纽约的地铁标志、公共汽车站牛头、公路和铁路标志、SNCF洗脸盆、RATP座椅和其他汽车部件......开幕式上展示的七件作品--包括标志性的黄色塑料M、珐琅板和地铁门--注定要被新的艺术家定制,并在未来的艺术表演中最终完成。36位来自涂鸦运动或城市艺术的美国、欧洲、南亚和俄罗斯艺术家在一个大型的、五颜六色的涂鸦集市中赋予所有这些日常物品新的生命。这个新的群展遵循了之前汇集了大约50位街头艺术家的群展的原则--"Ne Pas Effacer"(2012)、"Intérieur Rue"(2013)、"Pièces détachées"(2014)、"Morceaux de rue"(2015)和 "Dehors Dedans"(2016)--其中克劳德-库内兹掌握着秘密。他将他最初作为电影制片人的专业技术应用于展览的举办,他猎取了城市的古董家具,并委托艺术家进行定制。最近在RATP的拍卖会上为社会救济会的利益而获得的,标志性的黄色塑料M--霓虹灯背光--和搪瓷铁质地铁铭牌,以及圆形的 "A Kiko "座椅--根据其设计者和创造者的说法,最初的设想是 "抗烧伤、划痕、涂鸦(原文如此)和机械压力"--从开幕时就被展示出来。然后,它们将被委托给新的艺术家,由他们对其进行定制,在整个展览期间举行的艺术表演中对它们进行最后的润色。除了以前展览中的一些老作品外,两块分别由COLORZ和PSYCKOZE制作的印有Trocadero和Strasbourg Saint-Denis车站名称的大型珐琅牌,使这批公共交通和城市家具元素更加完整,所有这些都被自由和艺术地重新演绎。

1,200 EUR

HAZE - 单程雾霾,2015年,美国交通部金属板上的丙烯酸,46 x 122厘米定制的街道家具和被涂鸦和重新解释的公共交通物品侵入了Wallworks画廊的地下室空间,举办了不寻常的展览 "地下室的公共空间"。展览通过一个布满标签和涂鸦的楼梯进入。在RATP拍卖会上发现或最近获得的作品,艺术家们接管了所有类型的城市和公共交通元素:电话亭、交通灯、路灯、搪瓷路牌、铁窗帘、信箱、巴黎、莫斯科和纽约的地铁标志、公共汽车站牛头、公路和铁路标志、SNCF洗脸盆、RATP座椅和其他汽车部件......开幕式上展示的七件作品--包括标志性的黄色塑料M、珐琅板和地铁门--注定要被新的艺术家定制,并在未来的艺术表演中最终完成。36位来自涂鸦运动或城市艺术的美国、欧洲、南亚和俄罗斯艺术家在一个大型的、色彩斑斓的涂鸦集市中为所有这些日常物品赋予新的生命。这个新的群展遵循了之前汇集了大约50位街头艺术家的群展的原则--"Ne Pas Effacer"(2012)、"Intérieur Rue"(2013)、"Pièces détachées"(2014)、"Morceaux de rue"(2015)和 "Dehors Dedans"(2016)--其中克劳德-库内兹掌握着秘密。他将他最初作为电影制片人的专业技术应用于展览的举办,他猎取了城市的古董家具,并委托艺术家进行定制。最近在RATP的拍卖会上为社会救济会的利益而获得的,标志性的黄色塑料M--霓虹灯背光--和搪瓷铁质地铁铭牌,以及圆形的 "A Kiko "座椅--根据其设计者和创造者的说法,最初的构想是 "抗烧伤、划痕、涂鸦(原文如此)和机械压力"--从开幕时就被展示出来。然后,它们将被委托给新的艺术家,由他们对其进行定制,在整个展览期间进行的艺术表演中对其进行最后的润色。除了以前展览中的一些老作品外,两块分别由COLORZ和PSYCKOZE制作的印有特罗卡德罗和斯特拉斯堡圣丹尼车站名称的大型珐琅牌,使这批公共交通和城市家具元素更加完整,所有这些都被自由和艺术地重新诠释。

3,000 EUR

DER - 无题(碳氢化合物),2012年,金属板上的混合媒体,26 x 91厘米。 定制的街道家具和被涂鸦和重新解释的公共交通物品侵入了Wallworks画廊的地下室空间,举办了不寻常的展览 "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL"。展览通过一个布满标签和涂鸦的楼梯进入。在RATP拍卖会上发现或最近获得的作品,艺术家们接管了所有类型的城市和公共交通元素:电话亭、交通灯、路灯、搪瓷路牌、铁窗帘、信箱、巴黎、莫斯科和纽约的地铁标志、公共汽车站牛头、公路和铁路标志、SNCF洗脸盆、RATP座椅和其他汽车部件......开幕式上展示的七件作品--包括标志性的黄色塑料M、珐琅板和地铁门--注定要被新的艺术家定制,并在未来的艺术表演中最终完成。36位来自涂鸦运动或城市艺术的美国、欧洲、南亚和俄罗斯艺术家在一个巨大的、色彩斑斓的涂鸦混乱中赋予所有这些日常物品新的生命。这个新的群展遵循了之前汇集了大约50位街头艺术家的群展的原则--"Ne Pas Effacer"(2012)、"Intérieur Rue"(2013)、"Pièces détachées"(2014)、"Morceaux de rue"(2015)和 "Dehors Dedans"(2016)--其中克劳德-库内茨掌握着秘密。他将他最初作为电影制片人的专业技术应用于展览的举办,他猎取了城市的古董家具,并委托艺术家进行定制。最近在RATP的拍卖会上为社会救济会的利益而获得的,标志性的黄色塑料M--霓虹灯背光--和搪瓷铁质地铁铭牌,以及圆形的 "A Kiko "座椅--根据其设计者和创造者的说法,最初的构想是 "抗烧伤、划痕、涂鸦(原文如此)和机械压力"--从开幕时就被展示出来。然后,它们将被委托给新的艺术家,由他们对其进行定制,在整个展览期间进行的艺术表演中对其进行最后的润色。除了以前展览中的一些老作品外,两块分别由COLORZ和PSYCKOZE制作的印有特罗卡德罗和斯特拉斯堡圣丹尼车站名称的大型珐琅牌,使这批公共交通和城市家具元素更加完整,所有这些都被自由和艺术地重新诠释。

1,000 EUR

Mr GARCIN - Conan the BarbarianCollage sur plaque de dibond93 x 120 cmCette oeuvre a servi à faire deux couvertures de comics chez MarvelEn 2012, une des œuvres de Mr. Garcin est utilisé par la Marvel comme couverture du n°700 de The Amazing Spiderman : c’est un collage impressionnant,reprenant l’ensemble des personnages découpés à même les aventures imprimées du personnage pour les unir en un œil gigantesque de l’homme-araignée. Cette première consécration ne doit rien au hasard : elle vient couronner une passion qui remonte à loin, et une réappropriation des icônes contemporaines de la pop-culture qui ne se limite pas à un effet de citation tendant vers la réexploitation cynique.Mr Garcin découpe et ré-assemble depuis son enfance les comics comme une sorte de DJ graphique ; il trouve son inspiration dans la production BD pléthorique qui a vu grandir les dernières générations, peuplée de héros qui représentent un idéal de justice et de moralité, et ont commencé à vieillir en même temps que leurs fans – n’oublions pas par exemple que Batman est aujourd’hui âgé de 77 ans.Délaissant la vision du surhomme aventurier et conquérant de sa jeunesse, Mr. Garcin a commencé à porter son attention sur la dimension proprement graphique de ses productions, en insistant sur leurs processus de fabrication comme sur leurs paratextes, et sur l’identification émotionnelle créée chez les lecteurs. Puis il a approfondi son approche pour embrasser une nouvelle dimension de la perception des super-héros qui vaut comme un prolongement critique de la mythologie contemporaine fabriquée par leur intermédiaire. En peuplant sa production et ses reprises de leurs apparitions et figures multiples, Mr Garcin donne vie à plus qu’une tradition : il construit un discours graphique sur la répétition, la transformation infinie de ces personnages qui ont évolué en fonction des époques tout en gardant une forme unique de par leur signature visuelle aussi reconnaissable qu’une marque.Sa volonté de traduire l’intégralité de leurs parcours historiques au sein de vitraux démesurés que le spectateur peut embrasser d’un seul coup d’œil donne vie au caractère sacré de ces personnages aujourd’hui. Mr Garcin se fait l’écho en cela de la saturation informative propre à notre époque et de la surreprésentation qui lui est associée. On est confronté aussi bien au vieillissement de héros usés jusqu’à la corde qu’à leur transformation en symboles vides et omniprésents d’un attachement affectif d’autant plus sensible que l’auteur ne fait rien pour dissimuler les traces de sa fabrication, la réappropriation émotionnelle d’époques révolues pour revenir à l’indépassable de la forme. La dimension graphiquement saisissante de ces formes nées de l’accumulation rappelle la monstruosité comme la force de ces « logos » qui ont maintenant plus de poids pour nous réunir que les messages politiques de toute sorte. Mr Garcin joue en cela moins le rôle d’un laudateur que d’un révélateur social.Suite à ses premiers succès, ses œuvres ont été présentées dans de nombreuses expositions collectives et un show solo lui a été consacré en 2015 à la galerie Arludik à Paris, signe de l’intérêt croissant du public pour sa pratique.

10,000 EUR

TANC - TANC - ULTRAMARINE 36  Huile sur toile peinte directement au tube.100 x 81 cm Encadrée en caisse américaine noire. Signée et datée au dos "Tanc 2020"La galerie At Down est à votre disposition pour plus de renseignements sur l'acquisition de cette oeuvre.TANC : Né en 1979 à Paris.Vit et travaille à Paris. Tanc a déjà exposé à travers le monde. Ce qui le caractérise, c'est l'unicité de son style, une caractéristique qu'on comprend plus quand on apprend que Tanc a grandi avec le graffiti. Il considère que l'art de la rue est éphémère et que l'action est plus importante que le résultat. Pour lui "artiste est un mode de vie", l'investissement doit être total et l'intégrité absolue. Au début des années 2000, il se concentre sur un travail d'atelier et se démarque tout de suite des graffeurs traditionnels par son travail basé sur le trait. Une recherche sur la synthèse. D'abord de son nom, puis de celle des tags en général, puis des personnes, de la musique, et pour finir de son sujet préféré : la vie.Essentiellement basé sur le trait, son travail ne cherche pas à être parfait mais plutôt spontané. C'est l'état dans lequel il est qui va définir sa densité et sa rigueur. Son rythme cardiaque actionne son bras à la manière d'un métronome, il ne doit pas essayer de contrôler ce flux mais juste de comprendre la composition qu'il fait apparaître en équilibre entre son conscient et son inconscient. Il compose sa musique et ses toiles d'une manière spontanée.Il est dense ou léger, rigoureux ou déstructuré, Tanc ne joue pas, il vit son art. Il signe ses toiles Tanc comme il signe les murs de ses tags depuis l'adolescence. Cette discipline est d'abord l'exutoire instinctif d'un besoin d'expression : il se réapproprie l'espace urbain en criant son nom à la ville avec force.Bientôt, les lettres disparaissent et Tanc s'engage dans une recherche formelle abstraite. En concentrant son travail sur le trait et la couleur, il renouvelle la recherche picturale classique en la confrontant à la vivacité première de l'art de la rue : prépondérance de l'action, perfection du geste, acceptation de l'aléa et expression d'une singularité forte. Avant tout, ses œuvres frappent par leur intensité, leur musicalité et la vibration des lumières et des matières. L'action, l'énergie et l'émotion de l'artiste touchent le spectateur de la façon la plus sensuelle, intime et immédiate.

6,500 EUR

NEBAY - La vie est belle,2019年,帆布上的丙烯酸和气溶胶墨水, 130 x 97厘米。Nebay从未离开过墙壁或街道,他是那些涂鸦艺术家之一,对他们来说,过渡到画布是一个额外的元素,是经验的来源和丰富的发现。他的风格受到纽约同行的启发,他是最早在巴黎人行道和画布上尝试滴落--将颜料扔在地上的人之一。丰富、多彩和充满能量,他的宇宙混合了被劫持的海报、彩色和抽象的污点、狂野的风格和滴在画布上的东西,携带着愤怒的信息,总是掺杂着希望。作为一个有30多年历史的巴黎涂鸦艺术家,Nebay于1987年开始在巴黎街头涂鸦,并加入了JCT - Je Cours Toujours à 100 à l'heure这个集体。内贝生于1973年,是一位街头艺术家,他是他的时代的一部分,并投资于他的环境:城市。他喜欢说,他是 "一个种植色彩的具体园丁"。就在2000年初,在一次为期数月的环游世界的启蒙旅行中,一些东西被点燃了:走到他梦想的尽头,想得很远。他的阅读、遭遇和他所走过的国家的发现--俄罗斯、蒙古、中国、越南、柬埔寨、老挝和泰国--使他意识到他周围的世界以及他想留下的痕迹。回到法国后,他抓住机会,改变了自己的生活,成为一名正式的艺术家。涂鸦是一种短暂的艺术,它比比皆是,迫使他不断重塑和超越自己。归根结底,涂鸦更像是一种生活方式。在与执行空间的共鸣中,它使体验变得生动:在外面、在街道、在桥下、在废弃的地方作画的感觉......。他所创作的外墙是动态的,具有画布上所没有的不规则性。通过占有公共空间和街道,内贝是参与城市生活的古老方法的一部分。涂鸦,一种非法行为,成为一种政治行为:它属于公共领域,同时传达了具有政治、社会或环境内涵的信息。Nebay总是确保将他的媒介转化为一块真正的记忆:集体记忆、事件记忆、个人记忆......通过表达他对身份的寻求、他的感受、他的声明和致敬。因此,参观她的展览的人允许自己在她的陪伴下旅行,捕捉艺术家慷慨地传递给他们的情感。

4,700 EUR

TANC - TANCULTRAMARINE 52直接画在管子上的布面油画。80 x 80厘米用黑色的美国盒子装裱。背面有签名和日期 "Tanc 2021"。At Down画廊随时准备为您提供更多关于收购这件作品的信息。TANC:1979年出生在巴黎。在巴黎生活和工作。Tanc已经在世界各地举办了展览。他的特点是他的风格的独特性,当人们了解到唐克是在涂鸦中长大的,就更能理解这一特点。他认为,街头艺术是短暂的,行动比结果更重要。对他来说,"作为一个艺术家是一种生活方式",投资必须是完全的,诚信是绝对的。在21世纪初,他专注于工作室工作,并立即以其基于线条的作品区别于传统的涂鸦艺术家。一个关于综合的研究。首先是他的名字,然后是一般的标签,然后是人、音乐,最后是他最喜欢的主题:生命。本质上基于线,他的作品不追求完美,而是自发的。正是他所处的状态决定了他的密度和严谨性。他的心跳像节拍器一样驱动着他的手臂,他不应该试图控制这种流动,而只是理解他所做的构成出现在他的意识和无意识之间的平衡。他以一种自发的方式创作他的音乐和绘画。他或浓或淡,或严谨或无序,唐克不玩,他活在自己的艺术里。他在他的画作上签上了Tanc的名字,就像他在墙上签上了他自青少年时期以来的标签一样。这种纪律首先是表达需求的本能出口:他通过向城市有力地喊出自己的名字来重新占有城市空间。很快,这些信件就消失了,唐克开始了抽象的正式研究。通过将他的作品集中在线条和颜色上,他更新了经典的绘画研究,使其与街头艺术的主要活力相对抗:行动的优势、姿态的完美、接受随机性和表达强烈的独特性。最重要的是,他的作品因其强度、音乐性以及灯光和材料的振动而引人注目。艺术家的行动、能量和情感以最感性、最亲密和最直接的方式触动观众。

6,500 EUR

NEBAY - On Fonce,2020, 双层帆布上的丙烯酸和气溶胶墨水,130 x 97厘米。Nebay从未离开过墙壁或街道,他是那些涂鸦艺术家之一,对他们来说,过渡到画布是一个额外的元素,是经验的来源和丰富的发现。他的风格受到纽约同行的启发,他是最早在巴黎人行道和画布上尝试滴落--将颜料扔在地上的人之一。丰富、多彩和充满能量,他的宇宙混合了被劫持的海报、彩色和抽象的污渍、狂野的风格和滴在画布上的东西,携带着愤怒的信息,总是掺杂着希望。作为一个有30多年历史的巴黎涂鸦艺术家,Nebay于1987年开始在巴黎街头涂鸦,并加入了JCT - Je Cours Toujours à 100 à l'heure这个集体。内贝生于1973年,是一位街头艺术家,他是他的时代的一部分,并投资于他的环境:城市。他喜欢说,他是 "一个种植色彩的具体园丁"。正是在21世纪初,在一次为期数月的环游世界的启蒙旅行中,一些东西被点燃了:要超越他的梦想,要有大的想法。他的阅读、遭遇和他所走过的国家的发现--俄罗斯、蒙古、中国、越南、柬埔寨、老挝和泰国--使他意识到他周围的世界以及他想留下的痕迹。回到法国后,他抓住机会,改变了自己的生活,成为一名正式的艺术家。涂鸦是一种短暂的艺术,它比比皆是,迫使他不断重塑和超越自己。归根结底,涂鸦更像是一种生活方式。在与执行空间的共鸣中,它使体验变得生动:在外面、在街道、在桥下、在废弃的地方作画的感觉......。他所创作的外墙是动态的,具有画布上所没有的不规则性。通过占有公共空间和街道,内贝是参与城市生活的古老方法的一部分。涂鸦,一种非法行为,成为一种政治行为:它属于公共领域,同时传达了具有政治、社会或环境内涵的信息。Nebay总是确保将他的媒介转化为一块真正的记忆:集体记忆、事件记忆、个人记忆......通过表达他对身份的寻求、他的感受、他的声明和致敬。因此,参观她的展览的人允许自己在她的陪伴下旅行,捕捉艺术家慷慨地传递给他们的情感。

4,700 EUR

NEBAY - 雪圈,2021年,圆形画布上的丙烯酸和气溶胶墨水,120 x 120厘米Nebay从未离开过墙壁或街道,他是那些涂鸦艺术家之一,对他们来说,过渡到画布是一个额外的元素,是经验的来源和丰富的发现。他的风格受到纽约同行的启发,他是最早在巴黎人行道和画布上尝试滴落--将颜料扔在地上的人之一。丰富、多彩和充满能量,他的宇宙混合了被劫持的海报、彩色和抽象的污渍、狂野的风格和滴在画布上的东西,携带着愤怒的信息,总是掺杂着希望。作为一个有30多年历史的巴黎涂鸦艺术家,Nebay于1987年开始在巴黎街头涂鸦,并加入了JCT - Je Cours Toujours à 100 à l'heure这个集体。内贝生于1973年,是一位街头艺术家,他是他的时代的一部分,并投资于他的环境:城市。他喜欢说,他是 "一个种植色彩的具体园丁"。正是在21世纪初,在一次为期数月的环游世界的启蒙旅行中,一些东西被点燃了:要超越他的梦想,要有大的想法。他的阅读、遭遇和他所走过的国家的发现--俄罗斯、蒙古、中国、越南、柬埔寨、老挝和泰国--使他意识到他周围的世界以及他想留下的痕迹。回到法国后,他抓住机会,改变了自己的生活,成为一名正式的艺术家。涂鸦是一种短暂的艺术,它比比皆是,迫使他不断重塑和超越自己。归根结底,涂鸦更像是一种生活方式。在与执行空间的共鸣中,它使体验变得生动:在外面、在街道、在桥下、在废弃的地方作画的感觉......。他所创作的外墙是动态的,具有画布上所没有的不规则性。通过占有公共空间和街道,内贝是参与城市生活的古老方法的一部分。涂鸦,一种非法行为,成为一种政治行为:它属于公共领域,同时传达了具有政治、社会或环境内涵的信息。Nebay总是确保将他的媒介转化为一块真正的记忆:集体记忆、事件记忆、个人记忆......通过表达他对身份的寻求、他的感受、他的声明和致敬。因此,参观她的展览的人允许自己在她的陪伴下旅行,捕捉艺术家慷慨地传递给他们的情感。

6,000 EUR

NEBAY - 河圈》,2021年,圆形帆布上的丙烯酸和气溶胶墨水,120 x 120厘米。Nebay从未离开过墙壁或街道,他是那些涂鸦艺术家之一,对他们来说,过渡到画布是一个额外的元素,是经验的来源和丰富的发现。他的风格受到纽约同行的启发,他是最早在巴黎人行道和画布上尝试滴落--将颜料扔在地上的人之一。丰富、多彩和充满能量,他的宇宙混合了被劫持的海报、彩色和抽象的污点、狂野的风格和滴在画布上的东西,携带着愤怒的信息,总是掺杂着希望。作为一个有30多年历史的巴黎涂鸦艺术家,Nebay于1987年开始在巴黎街头涂鸦,并加入了JCT - Je Cours Toujours à 100 à l'heure这个集体。内贝生于1973年,是一位街头艺术家,他是他的时代的一部分,并投资于他的环境:城市。他喜欢说,他是 "一个种植色彩的具体园丁"。就在2000年初,在一次为期数月的环游世界的启蒙旅行中,一些东西被点燃了:走到他梦想的尽头,想得很远。他的阅读、遭遇和他所走过的国家的发现--俄罗斯、蒙古、中国、越南、柬埔寨、老挝和泰国--使他意识到他周围的世界以及他想留下的痕迹。回到法国后,他抓住机会,改变了自己的生活,成为一名正式的艺术家。涂鸦是一种短暂的艺术,它比比皆是,迫使他不断重塑和超越自己。归根结底,涂鸦更像是一种生活方式。在与执行空间的共鸣中,它使体验变得生动:在外面、在街道、在桥下、在废弃的地方作画的感觉......。他所创作的外墙是动态的,具有画布上所没有的不规则性。通过占有公共空间和街道,内贝是参与城市生活的古老方法的一部分。涂鸦,一种非法行为,成为一种政治行为:它属于公共领域,同时传达了具有政治、社会或环境内涵的信息。Nebay总是确保将他的媒介转化为一块真正的记忆:集体记忆、事件记忆、个人记忆......通过表达他对身份的寻求、他的感受、他的声明和致敬。因此,参观她的展览的人允许自己在她的陪伴下旅行,捕捉艺术家慷慨地传递给他们的情感。

6,000 EUR

NEBAY - 火圈》,2021年,圆形画布上的丙烯酸和气溶胶墨水,120 x 120厘米。Nebay从未离开过墙壁或街道,他是那些涂鸦艺术家之一,对他们来说,过渡到画布是一个额外的元素,是经验的来源和丰富的发现。他的风格受到纽约同行的启发,他是最早在巴黎人行道和画布上尝试滴落--将颜料扔在地上的人之一。丰富、多彩和充满能量,他的宇宙混合了被劫持的海报、彩色和抽象的污点、狂野的风格和滴在画布上的东西,携带着愤怒的信息,总是掺杂着希望。作为一个有30多年历史的巴黎涂鸦艺术家,Nebay于1987年开始在巴黎街头涂鸦,并加入了JCT - Je Cours Toujours à 100 à l'heure这个集体。内贝生于1973年,是一位街头艺术家,他是他的时代的一部分,并投资于他的环境:城市。他喜欢说,他是 "一个种植色彩的具体园丁"。就在2000年初,在一次为期数月的环游世界的启蒙旅行中,一些东西被点燃了:走到他梦想的尽头,想得很远。他的阅读、遭遇和他所走过的国家的发现--俄罗斯、蒙古、中国、越南、柬埔寨、老挝和泰国--使他意识到他周围的世界以及他想留下的痕迹。回到法国后,他抓住机会,改变了自己的生活,成为一名正式的艺术家。涂鸦是一种短暂的艺术,它比比皆是,迫使他不断重塑和超越自己。归根结底,涂鸦更像是一种生活方式。在与执行空间的共鸣中,它使体验变得生动:在外面、在街道、在桥下、在废弃的地方作画的感觉......。他所创作的外墙是动态的,具有画布上所没有的不规则性。通过占有公共空间和街道,内贝是参与城市生活的古老方法的一部分。涂鸦,一种非法行为,成为一种政治行为:它属于公共领域,同时传达了具有政治、社会或环境内涵的信息。Nebay总是确保将他的媒介转化为一块真正的记忆:集体记忆、事件记忆、个人记忆......通过表达他对身份的寻求、他的感受、他的声明和致敬。因此,参观她的展览的人允许自己在她的陪伴下旅行,捕捉艺术家慷慨地传递给他们的情感。

6,000 EUR

NEBAY - 蓝色魔法》,2021年,丙烯酸和气溶胶墨水,双帆布,130 x 97厘米Nebay从未离开过墙壁或街道,他是那些涂鸦艺术家之一,对他们来说,过渡到画布是一个额外的元素,是经验的来源和丰富的发现。他的风格受到纽约同行的启发,他是最早在巴黎人行道和画布上尝试滴落--将颜料扔在地上的人之一。丰富、多彩和充满能量,他的宇宙混合了被劫持的海报、彩色和抽象的污点、狂野的风格和滴在画布上的东西,携带着愤怒的信息,总是掺杂着希望。作为一个有30多年历史的巴黎涂鸦艺术家,Nebay于1987年开始在巴黎街头涂鸦,并加入了JCT - Je Cours Toujours à 100 à l'heure这个集体。内贝生于1973年,是一位街头艺术家,他是他的时代的一部分,并投资于他的环境:城市。他喜欢说,他是 "一个种植色彩的具体园丁"。正是在21世纪初,在一次为期数月的环游世界的启蒙旅行中,一些东西被点燃了:要超越他的梦想,要有大的想法。他的阅读、遭遇和他所走过的国家的发现--俄罗斯、蒙古、中国、越南、柬埔寨、老挝和泰国--使他意识到他周围的世界以及他想留下的痕迹。回到法国后,他抓住机会,改变了自己的生活,成为一名正式的艺术家。涂鸦是一种短暂的艺术,它比比皆是,迫使他不断重塑和超越自己。归根结底,涂鸦更像是一种生活方式。在与执行空间的共鸣中,它使体验变得生动:在外面、在街道、在桥下、在废弃的地方作画的感觉......。他所创作的外墙是动态的,具有画布上所没有的不规则性。通过占有公共空间和街道,内贝是参与城市生活的古老方法的一部分。涂鸦,一种非法行为,成为一种政治行为:它属于公共领域,同时传达了具有政治、社会或环境内涵的信息。Nebay总是确保将他的媒介转化为一块真正的记忆:集体记忆、事件记忆、个人记忆......通过表达他对身份的寻求、他的感受、他的声明和致敬。因此,参观她的展览的人允许自己在她的陪伴下旅行,捕捉艺术家慷慨地传递给他们的情感。

4,700 EUR

NEBAY - 黄色角落,2021年,丙烯酸和气溶胶墨水,双帆布,130 x 97厘米。Nebay从未离开过墙壁或街道,他是那些涂鸦艺术家之一,对他们来说,过渡到画布是一个额外的元素,是经验的来源和丰富的发现。他的风格受到纽约同行的启发,他是最早在巴黎人行道和画布上尝试滴落--将颜料扔在地上的人之一。丰富、多彩和充满能量,他的宇宙混合了被劫持的海报、彩色和抽象的污渍、狂野的风格和滴在画布上的东西,携带着愤怒的信息,总是掺杂着希望。作为一个有30多年历史的巴黎涂鸦艺术家,Nebay于1987年开始在巴黎街头涂鸦,并加入了JCT - Je Cours Toujours à 100 à l'heure这个集体。内贝生于1973年,是一位街头艺术家,他是他的时代的一部分,并投资于他的环境:城市。他喜欢说,他是 "一个种植色彩的具体园丁"。正是在21世纪初,在一次为期数月的环游世界的启蒙旅行中,一些东西被点燃了:要超越他的梦想,要有大的想法。他的阅读、遭遇和他所走过的国家的发现--俄罗斯、蒙古、中国、越南、柬埔寨、老挝和泰国--使他意识到他周围的世界以及他想留下的痕迹。回到法国后,他抓住机会,改变了自己的生活,成为一名正式的艺术家。涂鸦是一种短暂的艺术,它比比皆是,迫使他不断重塑和超越自己。归根结底,涂鸦更像是一种生活方式。在与执行空间的共鸣中,它使体验变得生动:在外面、在街道、在桥下、在废弃的地方作画的感觉......。他所创作的外墙是动态的,具有画布上所没有的不规则性。通过占有公共空间和街道,内贝是参与城市生活的古老方法的一部分。涂鸦,一种非法行为,成为一种政治行为:它属于公共领域,同时传达了具有政治、社会或环境内涵的信息。Nebay总是小心翼翼地将他的媒介转化为一块真正的记忆:集体记忆、事件记忆、个人记忆......通过表达他对身份的寻求、他的感受、他的声明和致敬。因此,参观她的展览的人允许自己在她的陪伴下旅行,捕捉艺术家慷慨地传递给他们的情感。

4,700 EUR

NEBAY - Bienvenue chez le fleuriste, 2021年,帆布上的丙烯酸和喷墨,97 x 195厘米。Nebay从未离开过墙壁或街道,他是那些涂鸦艺术家之一,对他们来说,过渡到画布是一个额外的元素,是经验的来源和丰富的发现。他的风格受到纽约同行的启发,他是最早在巴黎人行道和画布上尝试滴落--将颜料扔在地上的人之一。丰富、多彩和充满能量,他的宇宙混合了被劫持的海报、彩色和抽象的污渍、狂野的风格和滴在画布上的东西,携带着愤怒的信息,总是掺杂着希望。作为一个有30多年历史的巴黎涂鸦艺术家,Nebay于1987年开始在巴黎街头涂鸦,并加入了JCT - Je Cours Toujours à 100 à l'heure这个集体。内贝生于1973年,是一位街头艺术家,他是他的时代的一部分,并投资于他的环境:城市。他喜欢说,他是 "一个种植色彩的具体园丁"。正是在21世纪初,在一次为期数月的环游世界的启蒙旅行中,一些东西被点燃了:要超越他的梦想,要有大的想法。他的阅读、遭遇和他所走过的国家的发现--俄罗斯、蒙古、中国、越南、柬埔寨、老挝和泰国--使他意识到他周围的世界以及他想留下的痕迹。回到法国后,他抓住机会,改变了自己的生活,成为一名正式的艺术家。涂鸦是一种短暂的艺术,它比比皆是,迫使他不断重塑和超越自己。归根结底,涂鸦更像是一种生活方式。在与执行空间的共鸣中,它使体验变得生动:在外面、在街道、在桥下、在废弃的地方作画的感觉......。他所创作的外墙是动态的,具有画布上所没有的不规则性。通过占有公共空间和街道,内贝是参与城市生活的古老方法的一部分。涂鸦,一种非法行为,成为一种政治行为:它属于公共领域,同时传达了具有政治、社会或环境内涵的信息。Nebay总是确保将他的媒介转化为一块真正的记忆:集体记忆、事件记忆、个人记忆......通过表达他对身份的寻求、他的感受、他的声明和致敬。因此,参观她的展览的人允许自己在她的公司里旅行,捕捉艺术家慷慨地传递给他们的情感。

5,800 EUR

NEBAY - 关于形状,2021年,丙烯酸和喷墨在双帆布上,50 × 40 × 5厘米。Nebay从未离开过墙壁或街道,他是那些涂鸦艺术家之一,对他们来说,过渡到画布是一个额外的元素,是经验的来源和丰富的发现。他的风格受到纽约同行的启发,他是最早在巴黎人行道和画布上尝试滴落--将颜料扔在地上的人之一。丰富、多彩和充满能量,他的宇宙混合了被劫持的海报、彩色和抽象的污渍、狂野的风格和滴在画布上的东西,携带着愤怒的信息,总是掺杂着希望。作为一个有30多年历史的巴黎涂鸦艺术家,Nebay于1987年开始在巴黎街头涂鸦,并加入了JCT - Je Cours Toujours à 100 à l'heure这个集体。内贝生于1973年,是一位街头艺术家,他是他的时代的一部分,并投资于他的环境:城市。他喜欢说,他是 "一个种植色彩的具体园丁"。正是在21世纪初,在一次为期数月的环游世界的启蒙旅行中,一些东西被点燃了:要超越他的梦想,要有大的想法。他的阅读、遭遇和他所走过的国家的发现--俄罗斯、蒙古、中国、越南、柬埔寨、老挝和泰国--使他意识到他周围的世界以及他想留下的痕迹。回到法国后,他抓住机会,改变了自己的生活,成为一名正式的艺术家。涂鸦是一种短暂的艺术,它比比皆是,迫使他不断重塑和超越自己。归根结底,涂鸦更像是一种生活方式。在与执行空间的共鸣中,它使体验变得生动:在外面、在街道、在桥下、在废弃的地方作画的感觉......。他所创作的外墙是动态的,具有画布上所没有的不规则性。通过占有公共空间和街道,内贝是参与城市生活的古老方法的一部分。涂鸦,一种非法行为,成为一种政治行为:它属于公共领域,同时传达了具有政治、社会或环境内涵的信息。Nebay总是确保将他的媒介转化为一块真正的记忆:集体记忆、事件记忆、个人记忆......通过表达他对身份的寻求、他的感受、他的声明和致敬。因此,参观她的展览的人允许自己在她的公司里旅行,捕捉艺术家慷慨地传递给他们的情感。

1,300 EUR

NEBAY - Dans le 1000,2021, 木头上的丙烯酸和油画标记,53 × 60厘米。Nebay从未离开过墙壁或街道,他是那些涂鸦艺术家之一,对他们来说,过渡到画布是一个额外的元素,是经验的来源和丰富的发现。他的风格受到纽约同行的启发,他是最早在巴黎人行道和画布上尝试滴落--将颜料扔在地上的人之一。丰富、多彩和充满能量,他的宇宙混合了被劫持的海报、彩色和抽象的污渍、狂野的风格和滴在画布上的东西,携带着愤怒的信息,总是掺杂着希望。作为一个有30多年历史的巴黎涂鸦艺术家,Nebay于1987年开始在巴黎街头涂鸦,并加入了JCT - Je Cours Toujours à 100 à l'heure这个集体。内贝生于1973年,是一位街头艺术家,他是他的时代的一部分,并投资于他的环境:城市。他喜欢说,他是 "一个种植色彩的具体园丁"。正是在21世纪初,在一次为期数月的环游世界的启蒙旅行中,一些东西被点燃了:要超越他的梦想,要有大的想法。他的阅读、遭遇和他所走过的国家的发现--俄罗斯、蒙古、中国、越南、柬埔寨、老挝和泰国--使他意识到他周围的世界以及他想留下的痕迹。回到法国后,他抓住机会,改变了自己的生活,成为一名正式的艺术家。涂鸦是一种短暂的艺术,它比比皆是,迫使他不断重塑和超越自己。归根结底,涂鸦更像是一种生活方式。在与执行空间的共鸣中,它使体验变得生动:在外面、在街道、在桥下、在废弃的地方作画的感觉......。他所创作的外墙是动态的,具有画布上所没有的不规则性。通过占有公共空间和街道,内贝是参与城市生活的古老方法的一部分。涂鸦,一种非法行为,成为一种政治行为:它属于公共领域,同时传达了具有政治、社会或环境内涵的信息。Nebay总是确保将他的媒介转化为一块真正的记忆:集体记忆、事件记忆、个人记忆......通过表达他对身份的寻求、他的感受、他的声明和致敬。因此,参观她的展览的人允许自己在她的陪伴下旅行,捕捉艺术家慷慨地传递给他们的情感。

1,500 EUR

RIME - Be Here How Are My Two Souls, 2021, 布面丙烯、喷墨和油画标记,200 x 200 cm。作为能量的集中体现,Rime的风格由色彩、运动和光源组成,艺术家在其中加入了自己的卡通生物、符号和细节词汇。 Rime(又名Jersey Joe)的风格主要受到卡通世界的启发,他将充满活力的色彩使用与大量的细节和形式相结合,始终处于运动状态。在他肆无忌惮的创作中,他在掌握姿态和运用线条的粗细或笔触的变化方面,部署了一种受控的暴力。他从自己的想象中加入动物符号和人物的个人词汇,像象形文字或风格化的文字一样放在画布上。他的二维作品似乎是从墙上浮现出来的,既通过线条和形状的运动来构造它们,又通过他在构图中创造的光源。溢出的细节、人物和符号,每块画布都能让人的眼睛定期检测到未被发现的故事的碎片。就像一首熟悉的歌曲,它的意义突然出现,Rime的作品随着时间的推移被观看和驯服。"在每一条线、每一个标记的背后,我的绘画中有一种能量的形式,即使是在无意识的情况下,也是可以感知的。这就是我努力创造的东西。在巴黎,在所有这些禁闭期间,我长期致力于此:试图找到一种幸福感,克服过去的问题和负担,学会对生活多一点尊重......。当我成功地做到这一点时,它就会转化为我的工作。"Rime(又名Jersey Joe)1979年出生于纽约市布鲁克林区,1991年开始在纽约市斯坦顿岛涂鸦,后来又在曼哈顿的Soho社区和新泽西州涂鸦。2003年,他在欧洲各地旅行了两个月,以笔名Rime和Jersey Joe获得了国际认可。回国后,他开始在画廊展示他的作品。2005年,他离开东海岸,在洛杉矶定居。然后他加入了MSK团队--疯狂的社会国王--由艺术家组成,如Reyes、Revok、Saber、Pose、Trav,或艺术家集体The Seventh Letter。自2021年以来,他一直在法国Eure地区的Vernon生活和工作。 Rime于2019年7月在巴黎的Wallworks画廊居住了6个月,以准备在巴黎举办展览。这一居住地已被Covid延长至2021年1月。"RIME对整个涂鸦艺术字母风格词汇的轻松和了解,几乎是前所未有的。他可以从50年的涂鸦历史中画出几乎任何风格的作品:它们总是看起来很新,参考了任何已知的东西,而且总是他自己的。RIME的作品俏皮而富有个性,充满了色彩和动感,从简单到复杂,从柔和到极端,他是少数几个真正能做到一切的涂鸦者之一。RIME在工作室的新作品是活力的浓缩,展示了他在街头涂鸦中注意完善的笔触和循环。他们将他的喷绘实践与令人难以置信的肌肉记忆和对姿态的掌握相结合。他的卡通人物--他的商标--从他的笔触中跳出来,往往只剩下眼睛或鼻子。像其他涂鸦艺术家一样,他的户外作品的颜色是由当天带到现场的袋子里的任何东西组成的,这使他的作品经常由几十种颜色组成,是自发的。在工作室里,选择范围更小,他的画布上有一些精心挑选的颜色,相互之间有出色的反应。"--卡勒-尼隆,"超越街道,作为当代艺术的破坏行为",2019年

27,000 EUR

RIME - 代码,2018年,丙烯酸,油画标记在画布上,182 × 151 × 5厘米。作为能量的集中体现,Rime的风格是由色彩、运动和光源组成的,艺术家在其中加入了他自己的词汇,这些词汇由卡通世界的生物、符号和多种细节组成。 Rime的风格(又名Jersey Joe)主要受到卡通世界的启发,将充满活力的色彩使用与大量的细节和形式结合起来,始终处于运动状态。在他肆无忌惮的创作中,他在掌握姿态和运用线条的粗细或笔触的变化方面,部署了一种受控的暴力。他从自己的想象中加入动物符号和人物的个人词汇,像象形文字或风格化的文字一样放在画布上。他的二维作品似乎是从墙上浮现出来的,既通过线条和形状的运动来构造它们,又通过他在构图中创造的光源。溢出的细节、人物和符号,每块画布都能让人的眼睛定期检测到未被发现的故事的碎片。就像一首熟悉的歌曲,它的意义突然出现,Rime的作品随着时间的推移被观看和驯服。"在每一条线、每一个标记的背后,我的绘画中有一种能量的形式,即使是在无意识的情况下,也是可以感知的。这就是我努力创造的东西。在巴黎,在所有这些禁闭期间,我长期致力于此:试图找到一种幸福感,克服过去的问题和负担,学会对生活多一点尊重......。当我成功地做到这一点时,它就会转化为我的工作。"Rime(又名Jersey Joe)1979年出生于纽约市布鲁克林区,1991年开始在纽约市斯坦顿岛涂鸦,后来又在曼哈顿的Soho社区和新泽西州涂鸦。2003年,他在欧洲各地旅行了两个月,以笔名Rime和Jersey Joe获得了国际认可。回国后,他开始在画廊展示他的作品。2005年,他离开东海岸,在洛杉矶定居。然后他加入了MSK团队--疯狂的社会国王--由艺术家组成,如Reyes、Revok、Saber、Pose、Trav,或艺术家集体The Seventh Letter。自2021年以来,他一直在法国Eure地区的Vernon生活和工作。 Rime于2019年7月在巴黎的Wallworks画廊居住了6个月,以准备在巴黎举办展览。这一居住地已被Covid延长至2021年1月。"RIME对整个涂鸦艺术字母风格词汇的轻松和了解,几乎是前所未有的。他可以从50年的涂鸦历史中画出几乎任何风格的作品:它们总是看起来很新,参考了任何已知的东西,而且总是他自己的。RIME的作品俏皮而富有个性,充满了色彩和动感,从简单到复杂,从柔和到极端,他是少数几个真正能做到一切的涂鸦者之一。RIME在工作室的新作品是活力的浓缩,展示了他在街头涂鸦中注意完善的笔触和循环。他们将他的喷绘实践与令人难以置信的肌肉记忆和对姿态的掌握相结合。他的卡通人物--他的商标--从他的笔触中跳出来,往往只剩下眼睛或鼻子。像其他涂鸦艺术家一样,他的户外作品的颜色是由当天带到现场的袋子里的任何东西组成的,这使他的作品经常由几十种颜色组成,是自发的。在工作室里,选择范围更小,他的画布上有一些精心挑选的颜色,相互之间有出色的反应。"--卡勒-尼隆,"超越街道,作为当代艺术的破坏行为",2019年

16,000 EUR

RIME - 一切都是来自, 2021年,丙烯酸,油画标记在帆布上,200 × 160 × 5厘米。 Rime充满活力的风格是由色彩、运动和光源组成的,他在其中加入了自己的卡通生物、符号和细节的词汇。 Rime(又名Jersey Joe)的风格主要受到卡通世界的启发,他将充满活力的色彩使用与大量的细节和不断变化的形式相结合。在他肆无忌惮的创作中,他在掌握姿态和运用线条的粗细或笔触的变化方面,部署了一种有控制的暴力。他从自己的想象中加入动物符号和人物的个人词汇,像象形文字或风格化的文字一样放在画布上。他的二维作品似乎是从墙上浮现出来的,既通过线条和形状的运动来构造它们,又通过他在构图中创造的光源。溢出的细节、人物和符号,每块画布都能让人的眼睛定期检测到未被发现的故事的碎片。就像一首熟悉的歌曲,它的意义突然出现,Rime的作品随着时间的推移被观看和驯服。"在每一条线、每一个标记的背后,我的绘画中有一种能量的形式,即使是在无意识的情况下,也是可以感知的。这就是我努力创造的东西。在所有这些禁闭的过程中,我在巴黎投入了很长时间:试图找到一种幸福感,克服过去的问题和负担,学会对生活多一点尊重......。当我成功地做到这一点时,它就会转化为我的工作。"Rime(又名Jersey Joe)1979年出生于纽约市布鲁克林区,1991年开始在纽约市斯坦顿岛涂鸦,后来又在曼哈顿的Soho社区和新泽西州涂鸦。2003年,他在欧洲各地旅行了两个月,以笔名Rime和Jersey Joe获得了国际认可。回国后,他开始在画廊展示他的作品。2005年,他离开东海岸,在洛杉矶定居。然后他加入了MSK团队--疯狂的社会国王--由艺术家组成,如Reyes、Revok、Saber、Pose、Trav,或艺术家集体The Seventh Letter。自2021年以来,他一直在法国Eure地区的Vernon生活和工作。 Rime于2019年7月在巴黎的Wallworks画廊居住了6个月,以便在巴黎筹备展览。这一居住地已被Covid延长至2021年1月。"RIME对整个涂鸦艺术字母风格词汇的轻松和了解,几乎是前所未有的。他可以从50年的涂鸦历史中画出几乎任何风格的作品:它们总是看起来很新,参考了任何已知的东西,而且总是他自己的。RIME的作品俏皮而富有个性,充满了色彩和动感,从简单到复杂,从柔和到极端,他是为数不多的能够真正做到一切涂鸦的人之一。 (...)RIME在工作室的新作品是活力的浓缩,具有他在街头涂鸦中注意完善的笔触和循环。他们将他的喷绘实践与令人难以置信的肌肉记忆和对姿态的掌握相结合。他的卡通人物--他的商标--从他的笔触中跳出来,往往只剩下眼睛或鼻子。像其他涂鸦艺术家一样,他的户外作品的颜色是由当天带到现场的袋子里的任何东西组成的,这使他的作品经常由几十种颜色组成,是自发的。在工作室里,选择范围更小,他的画布上有一些精心挑选的颜色,相互之间有出色的反应。"--卡勒-尼隆,"超越街道,作为当代艺术的破坏行为",2019年

22,000 EUR

RIME - 所有的动作, 2019年,丙烯酸,油画标记在帆布上,102 × 102 × 5厘米。作为能量的集中体现,Rime的风格由色彩、运动和光源组成,艺术家在其中加入了他自己的卡通生物、符号和细节词汇。 Rime(又名Jersey Joe)的风格主要受到卡通世界的启发,他将充满活力的色彩使用与大量的细节和形式相结合,始终处于运动状态。在他肆无忌惮的创作中,他在掌握姿态和运用线条的粗细或笔触的变化方面,部署了一种受控的暴力。他从自己的想象中加入动物符号和人物的个人词汇,像象形文字或风格化的文字一样放在画布上。他的二维作品似乎是从墙上浮现出来的,既通过线条和形状的运动来构造它们,又通过他在构图中创造的光源。溢出的细节、人物和符号,每块画布都能让人的眼睛定期检测到未被发现的故事的碎片。就像一首熟悉的歌曲,它的意义突然出现,Rime的作品随着时间的推移被观看和驯服。"在每一条线、每一个标记的背后,我的绘画中有一种能量的形式,即使是在无意识的情况下,也是可以感知的。这就是我努力创造的东西。在巴黎,在所有这些禁闭期间,我长期致力于此:试图找到一种幸福感,克服过去的问题和负担,学会对生活多一点尊重......。当我成功地做到这一点时,它就会转化为我的工作。"Rime(又名Jersey Joe)1979年出生于纽约市布鲁克林区,1991年开始在纽约市斯坦顿岛涂鸦,后来又在曼哈顿的Soho社区和新泽西州涂鸦。2003年,他在欧洲各地旅行了两个月,以笔名Rime和Jersey Joe获得了国际认可。回国后,他开始在画廊展示他的作品。2005年,他离开东海岸,在洛杉矶定居。然后他加入了MSK团队--疯狂的社会国王--由艺术家组成,如Reyes、Revok、Saber、Pose、Trav,或艺术家集体The Seventh Letter。自2021年以来,他一直在法国Eure地区的Vernon生活和工作。 Rime于2019年7月在巴黎的Wallworks画廊居住了6个月,以准备在巴黎举办展览。这一居住地已被Covid延长至2021年1月。"RIME对整个涂鸦艺术字母风格词汇的轻松和了解,几乎是前所未有的。他可以从50年的涂鸦历史中画出几乎任何风格的作品:它们总是看起来很新,参考任何已知的东西,而且总是他自己的。RIME的作品俏皮而富有个性,充满了色彩和动感,从简单到复杂,从柔和到极端,他是少数几个真正能做到一切的涂鸦者之一。RIME在工作室的新作品是活力的浓缩,展示了他在街头涂鸦中注意完善的笔触和循环。他们将他的喷绘实践与令人难以置信的肌肉记忆和对姿态的掌握相结合。他的卡通人物--他的商标--从他的笔触中跳出来,往往只剩下眼睛或鼻子。像其他涂鸦艺术家一样,他的户外作品的颜色是由当天带到现场的袋子里的任何东西组成的,这使他的作品经常由几十种颜色组成,是自发的。在工作室里,选择范围更小,他的画布上有一些精心挑选的颜色,相互之间有出色的反应。"--卡勒-尼隆,"超越街道,作为当代艺术的破坏行为",2019年

9,000 EUR

RIME - 如同爱在,2021年,丙烯酸,油画标记在木头上,120x120x5厘米。 作为能量的集中体现,Rime的风格是由色彩、运动和光源组成的,艺术家在其中加入了他自己的词汇,这些词汇由卡通世界的生物、符号和多种细节组成。 Rime的风格(又名Jersey Joe)主要受到卡通世界的启发,将充满活力的色彩使用与大量的细节和形式结合起来,始终处于运动状态。在他肆无忌惮的创作中,他在掌握姿态和运用线条的粗细或笔触的变化方面,部署了一种受控的暴力。他从自己的想象中加入动物符号和人物的个人词汇,像象形文字或风格化的文字一样放在画布上。他的二维作品似乎是从墙上浮现出来的,既通过线条和形状的运动来构造它们,又通过他在构图中创造的光源。溢出的细节、人物和符号,每块画布都能让人的眼睛定期检测到未被发现的故事的碎片。就像一首熟悉的歌曲,它的意义突然出现,Rime的作品随着时间的推移被观看和驯服。"在每一条线、每一个标记的背后,我的绘画中有一种能量的形式,即使是在无意识的情况下,也是可以感知的。这就是我努力创造的东西。在巴黎,在所有这些禁闭期间,我长期致力于此:试图找到一种幸福感,克服过去的问题和负担,学会对生活多一点尊重......。当我成功地做到这一点时,它就会转化为我的工作。"Rime(又名Jersey Joe)1979年出生于纽约市布鲁克林区,1991年开始在纽约市斯坦顿岛涂鸦,后来又在曼哈顿的Soho社区和新泽西州涂鸦。2003年,他在欧洲各地旅行了两个月,以笔名Rime和Jersey Joe获得了国际认可。回国后,他开始在画廊展示他的作品。2005年,他离开东海岸,在洛杉矶定居。然后他加入了MSK团队--疯狂的社会国王--由艺术家组成,如Reyes、Revok、Saber、Pose、Trav,或艺术家集体The Seventh Letter。自2021年以来,他一直在法国Eure地区的Vernon生活和工作。 Rime于2019年7月在巴黎的Wallworks画廊居住了6个月,以准备在巴黎举办展览。这一居住地已被Covid延长至2021年1月。"RIME对整个涂鸦艺术字母风格词汇的轻松和了解,几乎是前所未有的。他可以从50年的涂鸦历史中画出几乎任何风格的作品:它们总是看起来很新,参考任何已知的东西,而且总是他自己的。RIME的作品俏皮而富有个性,充满了色彩和动感,从简单到复杂,从柔和到极端,他是少数几个真正能做到一切的涂鸦者之一。RIME在工作室的新作品是活力的浓缩,展示了他在街头涂鸦中注意完善的笔触和循环。他们将他的喷绘实践与令人难以置信的肌肉记忆和对姿态的掌握相结合。他的卡通人物--他的商标--从他的笔触中跳出来,往往只剩下眼睛或鼻子。像其他涂鸦艺术家一样,他的户外作品的颜色是由当天带到现场的袋子里的任何东西组成的,这使他的作品经常由几十种颜色组成,是自发的。在工作室里,选择范围更小,他的画布上有一些精心挑选的颜色,相互之间有出色的反应。"--卡勒-尼隆,"超越街道,作为当代艺术的破坏行为",2019年

4,000 EUR

CRUSH - 为生命盖章,2012年,水彩画在310克康森纸上,丝印背景,76 x 57厘米。作为美国街头艺术的先驱,克拉什在世界各地都有展览,他把自己首先定义为涂鸦艺术家。他为Wallworks画廊创作了一个特定系列的34件纸上作品,使用两种祖传的表达方式:丝网印刷和水彩画。每件独特的作品然后用水彩、印度墨水、丙烯酸或拼贴画来加强。这套作品由美国汽车牌照上的作品以及十幅画布上的画作完成,是他在过去20年中的标志性作品。自由地受到美国漫画和波普艺术的启发,Crash的宇宙混合了多种个人参考资料,包括街头艺术(字母、黄金链......)、60和70年代漫画的代码(代表冲击和爆炸的拟声词......),或波普艺术(彩色点,更明确地说,是对Roy Lichtenstein在1963年绘制的作品Whaam!)这个系列的名字--"生命的印记"--对艺术家来说,唤起了这样一个事实:没有什么可以被抹去,他觉得自己被激励他的东西和他是什么所标记了一生:"我已经被标记了一生"。约翰-马托斯1961年出生于纽约,1970年代中期取名 "崩溃",13岁时开始在布朗克斯区的地下线路上涂鸦。1979年,他与艺术家Kel、Daze、Zephyr、Dondi和Futura一起参加了 "涂鸦工作室",这是一个由收藏家Sam Esses资助的项目,这使得他们能够转到帆布上。他们都经常光顾神话般的 "时尚摩达",它由斯特凡-艾恩斯(Stefan Eins)于1978年创建,是纽约现场的一个崇拜场所,凯斯-哈林、珍妮-霍尔泽和许多涂鸦艺术家在这里相遇。1980年,克拉什在那里组织了一个展览,题目是 "GAS:涂鸦艺术的成功",这很有先兆。它是如此的成功,以至于曼哈顿的新当代艺术博物馆在同一年再次举办了展览,并略微修改了标题 "活动,时尚摩达"。在Fashion Moda举办的展览随后吸引了美国和欧洲画廊的注意,促进了涂鸦运动的崛起。从1983年起,在近十年的时间里,克拉舍由纽约的悉尼-杰尼斯画廊代理,与凯斯-哈林和让-米歇尔-巴斯奎特共享画廊的墙壁。1984年底,他应邀参加了在巴黎市立美术馆举办的 "5/5 Figuration Libre, France/USA "展览,与Rémi Blanchard, François Boisrond, Robert Combas, Hervé and Richard Di Rosa, Louis Jammes, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Tseng Kwong Chi and Kenny Scharf一起参展。他的作品在美国各地以及西班牙、法国和荷兰都有展出。他可识别的风格将涂鸦字母与肖像结合起来,其灵感来自于漫画、波普艺术和罗伊-利希滕斯坦的本-日过程。除了他的展览,克拉舍还为一些大品牌进行了一些项目,如1988年为荷兰彼得-斯图维森特基金会,或1995年为英美烟草公司和幸运之神系列。1996年,他为埃里克-克莱普顿定制了一把电吉他--Fender Stratocaster型号,这位歌手在2001年的巡演中使用了这把吉他。Fender出售了50把这样的吉他,称为Crashocasters。最近,他为绝对伏特加创造了一个视觉效果。2011年,他受TUMI委托,在一个名为Tumi-Tag的系列中创作四款行李。克拉舍的作品已被世界各地众多公共和私人收藏,包括纽约的布鲁克林博物馆和纽约现代艺术博物馆、新奥尔良的NOMA、佛罗里达的康奈尔博物馆、迈阿密的鲁贝尔收藏、洛杉矶的弗雷德里克-R-魏斯曼基金会、雅典的达基斯-约阿努基金会、博洛尼亚的曼波博物馆、格罗宁根的格罗宁格博物馆、鹿特丹的博伊曼斯-范布宁根博物馆、阿姆斯特丹的斯特德利克博物馆等,数量惊人。

1,000 EUR

CRUSH - 为生命盖章,2012年,水彩画在310克康森纸上,丝印背景,76 x 57厘米。作为美国街头艺术的先驱,克拉什在世界各地都有展览,他把自己首先定义为涂鸦艺术家。他为Wallworks画廊创作了一个特定系列的34件纸上作品,使用两种祖传的表达方式:丝网印刷和水彩画。每件独特的作品然后用水彩、印度墨水、丙烯酸或拼贴画来加强。这套作品由美国汽车牌照上的作品以及十幅画布上的画作完成,是他在过去20年中的标志性作品。自由地受到美国漫画和波普艺术的启发,Crash的宇宙混合了多种个人参考资料,包括街头艺术(字母、黄金链......)、60和70年代漫画的代码(代表冲击和爆炸的拟声词......),或波普艺术(彩色点,更明确地说,是对Roy Lichtenstein在1963年绘制的作品Whaam!)这个系列的名字--"生命的印记"--对艺术家来说,唤起了这样一个事实:没有什么可以被抹去,他觉得自己被激励他的东西和他是什么所标记了一生:"我已经被标记了一生"。约翰-马托斯1961年出生于纽约,1970年代中期取名 "崩溃",13岁时开始在布朗克斯区的地下线路上涂鸦。1979年,他与艺术家Kel、Daze、Zephyr、Dondi和Futura一起参加了 "涂鸦工作室",这是一个由收藏家Sam Esses资助的项目,这使得他们能够转到帆布上。他们都经常光顾神话般的 "时尚摩达",它由斯特凡-艾恩斯(Stefan Eins)于1978年创建,是纽约现场的一个崇拜场所,凯斯-哈林、珍妮-霍尔泽和许多涂鸦艺术家在这里相遇。1980年,克拉什在那里举办了一个展览,题目是 "GAS:涂鸦艺术的成功",这具有先兆性。它是如此的成功,以至于曼哈顿的新当代艺术博物馆在同一年再次举办了展览,并略微修改了标题 "活动,时尚摩达"。在Fashion Moda举办的展览随后吸引了美国和欧洲画廊的注意,促进了涂鸦运动的崛起。从1983年起,在近十年的时间里,克拉舍由纽约的悉尼-杰尼斯画廊代理,与凯斯-哈林和让-米歇尔-巴斯奎特共享画廊的墙壁。1984年底,他应邀参加了在巴黎市立美术馆举办的 "5/5 Figuration Libre, France/USA "展览,与Rémi Blanchard, François Boisrond, Robert Combas, Hervé and Richard Di Rosa, Louis Jammes, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Tseng Kwong Chi and Kenny Scharf一起参展。他的作品在美国各地以及西班牙、法国和荷兰都有展出。他可识别的风格将涂鸦字母与肖像结合起来,其灵感来自于漫画、波普艺术和罗伊-利希滕斯坦的本-日过程。除了他的展览,克拉舍还为一些大品牌进行了一些项目,如1988年为荷兰彼得-斯图维森特基金会,或1995年为英美烟草公司和幸运之神系列。1996年,他为埃里克-克莱普顿定制了一把电吉他--Fender Stratocaster型号,这位歌手在2001年的巡演中使用了这把吉他。Fender出售了50把这样的吉他,称为Crashocasters。最近,他为绝对伏特加创造了一个视觉效果。2011年,他受TUMI委托,在一个名为Tumi-Tag的系列中创作四款行李。克拉舍的作品已被世界各地众多公共和私人收藏,包括纽约的布鲁克林博物馆和纽约现代艺术博物馆、新奥尔良的NOMA、佛罗里达的康奈尔博物馆、迈阿密的鲁贝尔收藏、洛杉矶的弗雷德里克-R-魏斯曼基金会、雅典的达基斯-约安努基金会、博洛尼亚的曼波博物馆、格罗宁根的格罗宁格博物馆、鹿特丹的博伊曼斯-范布宁根博物馆、阿姆斯特丹的斯特莱克博物馆等。

1,000 EUR

CRUSH - 为生命盖章,2012年,水彩画在310克康森纸上,丝印背景,76 x 57厘米。作为美国街头艺术的先驱,克拉什在世界各地都有展览,他把自己首先定义为涂鸦艺术家。他为Wallworks画廊创作了一个特定系列的34件纸上作品,使用两种祖传的表达方式:丝网印刷和水彩画。每件独特的作品然后用水彩、印度墨水、丙烯酸或拼贴画来加强。这套作品由美国汽车牌照上的作品以及十幅画布上的画作完成,是他在过去20年中的标志性作品。自由地受到美国漫画 和波普艺术的启发,Crash的宇宙混合了多种个人参考资料,包括街头艺术(字母、黄金链......)、60和70年代漫画的代码(代表冲击和爆炸的拟声词......),或波普艺术(彩色点,更明确地说,是对Roy Lichtenstein在1963年绘制的作品Whaam!) 这个系列的名字--"生命的印记"--对艺术家来说,唤起了这样一个事实:没有什么可以被抹去,他觉得自己被激励他的东西和他是什么所标记了一生:"我已经被标记了一生"。约翰-马托斯1961年出生于纽约,1970年代中期取名 "崩溃",13岁时开始在布朗克斯区的地下线路上涂鸦。1979年,他与艺术家Kel、Daze、Zephyr、Dondi和Futura一起参加了 "涂鸦工作室",这是一个由收藏家Sam Esses资助的项目,这使得他们能够转到帆布上。他们都经常光顾神话般的 "时尚摩达",它由斯特凡-艾恩斯(Stefan Eins)于1978年创建,是纽约现场的一个崇拜场所,凯斯-哈林、珍妮-霍尔泽和许多涂鸦艺术家在这里相遇。1980年,克拉什在那里举办了一个展览,题目是"GAS:涂鸦艺术的成功",这具有先兆性。它是如此的成功,以至于曼哈顿的新当代艺术博物馆在同一年再次举办了展览,并略微修改了标题 "活动,时尚摩达"。在Fashion Moda举办的展览随后吸引了美国和欧洲画廊的注意,促进了涂鸦运动的崛起。从1983年起,在近十年的时间里,克拉舍由纽约的悉尼-杰尼斯画廊 代理,与凯斯-哈林 和让-米歇尔-巴斯基亚同台演出。1984年底,他应邀参加了在巴黎市立美术馆举办的"5/5 Figuration Libre, France/USA " 展览,与Rémi Blanchard, François Boisrond, Robert Combas, Hervé and Richard Di Rosa, Louis Jammes, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Tseng Kwong Chi and Kenny Scharf一起参展。他的作品在美国各地以及西班牙、法国和荷兰都有展出。他可识别的风格将涂鸦字母与肖像结合起来,其灵感来自于漫画、波普艺术 和罗伊-利希滕斯坦的本-日过程。除了他的展览,克拉舍还为一些大品牌进行了一些项目,如1988年为荷兰彼得-斯图维森特基金会,或1995年为英美烟草公司和幸运之神系列。1996年,他为埃里克-克莱普顿定制了一把电吉他--Fender Stratocaster型号,这位歌手在2001年的巡演中使用了这把吉他。Fender出售了50把这样的吉他,称为Crashocasters。最近,他为绝对伏特加创造了一个视觉效果。2011年,他受TUMI委托,在一个名为Tumi-Tag的系列中创作四款行李。克拉舍的作品已被世界各地众多的公共和私人收藏,包括纽约布鲁克林博物馆 和纽约现代艺术 博物馆、纽约NOMA 和纽约国家艺术馆。

1,000 EUR

CRUSH - 为生命盖章,2012年,水彩画在310克康森纸上,丝印背景,76 x 57厘米。作为美国街头艺术的先驱,克拉什在世界各地都有展览,他把自己首先定义为涂鸦艺术家。他为Wallworks画廊创作了一个特定系列的34件纸上作品,使用两种祖传的表达方式:丝网印刷和水彩画。每件独特的作品然后用水彩、印度墨水、丙烯酸或拼贴画来加强。这套作品由美国汽车牌照上的作品以及十幅画布上的画作完成,是他在过去20年中的标志性作品。自由地受到美国漫画和波普艺术的启发,Crash的宇宙混合了多种个人参考资料,包括街头艺术(字母、黄金链......)、60和70年代漫画的代码(代表冲击和爆炸的拟声词......),或波普艺术(彩色点,更明确地说,是对Roy Lichtenstein在1963年绘制的作品Whaam!)这个系列的名字--"生命的印记"--对艺术家来说,唤起了这样一个事实:没有什么可以被抹去,他觉得自己被激励他的东西和他是什么所标记了一生:"我已经被标记了一生"。约翰-马托斯1961年出生于纽约,1970年代中期取名 "崩溃",13岁时开始在布朗克斯区的地下线路上涂鸦。1979年,他与艺术家Kel、Daze、Zephyr、Dondi和Futura一起参加了 "涂鸦工作室",这是一个由收藏家Sam Esses资助的项目,这使得他们能够转到帆布上。他们都经常光顾神话般的 "时尚摩达",它由斯特凡-艾恩斯(Stefan Eins)于1978年创建,是纽约现场的一个崇拜场所,凯斯-哈林、珍妮-霍尔泽和许多涂鸦艺术家在这里相遇。1980年,克拉什在那里组织了一个展览,题目是 "GAS:涂鸦艺术的成功",这很有先兆。它是如此的成功,以至于曼哈顿的新当代艺术博物馆在同一年再次举办了展览,并略微修改了标题 "活动,时尚摩达"。在Fashion Moda举办的展览随后吸引了美国和欧洲画廊的注意,促进了涂鸦运动的崛起。从1983年起,在近十年的时间里,克拉舍由纽约的悉尼-杰尼斯画廊代理,与凯斯-哈林和让-米歇尔-巴斯奎特共享画廊的墙壁。1984年底,他应邀参加了在巴黎市立美术馆举办的 "5/5 Figuration Libre, France/USA "展览,与Rémi Blanchard, François Boisrond, Robert Combas, Hervé and Richard Di Rosa, Louis Jammes, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Tseng Kwong Chi and Kenny Scharf一起参展。他的作品在美国各地以及西班牙、法国和荷兰都有展出。他可识别的风格将涂鸦字母与肖像结合起来,其灵感来自于漫画、波普艺术和罗伊-利希滕斯坦的本-日过程。除了他的展览,克拉舍还为一些大品牌进行了一些项目,如1988年为荷兰彼得-斯图维森特基金会,或1995年为英美烟草公司和幸运之神系列。1996年,他为埃里克-克莱普顿定制了一把电吉他--Fender Stratocaster型号,这位歌手在2001年的巡演中使用了这把吉他。Fender出售了50把这样的吉他,称为Crashocasters。最近,他为绝对伏特加创造了一个视觉效果。2011年,他受TUMI委托,在一个名为Tumi-Tag的系列中创作四款行李。克拉舍的作品已被世界各地众多公共和私人收藏,包括纽约的布鲁克林博物馆和纽约现代艺术博物馆、新奥尔良的NOMA、佛罗里达的康奈尔博物馆、迈阿密的鲁贝尔收藏、洛杉矶的弗雷德里克-R-魏斯曼基金会、雅典的达基斯-约阿努基金会、博洛尼亚的曼波博物馆、格罗宁根的格罗宁格博物馆、鹿特丹的博伊曼斯-范布宁根博物馆、阿姆斯特丹的斯特德利克博物馆等,数量惊人。

1,000 EUR

CRUSH - 为生命盖章, 2012年,水彩画在310克康森纸上,丝印背景,76 x 57厘米。作为美国街头艺术的先驱,克拉什在世界各地都有展览,他把自己首先定义为涂鸦艺术家。他为Wallworks画廊创作了一个特定系列的34件纸上作品,使用两种祖传的表达方式:丝网印刷和水彩画。每件独特的作品然后用水彩、印度墨水、丙烯酸或拼贴画来加强。这套作品由美国汽车牌照上的作品以及十幅画布上的画作完成,是他在过去20年中的标志性作品。自由地受到美国漫画和波普艺术的启发,Crash的宇宙混合了多种个人参考资料,包括街头艺术(字母、黄金链......)、60和70年代漫画的代码(代表冲击和爆炸的拟声词......),或波普艺术(彩色点,更明确地说,是对Roy Lichtenstein在1963年绘制的作品Whaam!)这个系列的名字--"生命的印记"--对艺术家来说,唤起了这样一个事实:没有什么可以被抹去,他觉得自己被激励他的东西和他是什么所标记了一生:"我已经被标记了一生"。约翰-马托斯1961年出生于纽约,1970年代中期取名 "崩溃",13岁时开始在布朗克斯区的地下线路上涂鸦。1979年,他与艺术家Kel、Daze、Zephyr、Dondi和Futura一起参加了 "涂鸦工作室",这是一个由收藏家Sam Esses资助的项目,这使得他们能够转到帆布上。他们都经常光顾神话般的 "时尚摩达",它由斯特凡-艾恩斯(Stefan Eins)于1978年创建,是纽约现场的一个崇拜场所,凯斯-哈林、珍妮-霍尔泽和许多涂鸦艺术家在这里相遇。1980年,克拉什在那里组织了一个展览,题目是 "GAS:涂鸦艺术的成功",这很有先兆。它是如此的成功,以至于曼哈顿的新当代艺术博物馆在同一年再次举办了展览,并略微修改了标题 "活动,时尚摩达"。在Fashion Moda举办的展览随后吸引了美国和欧洲画廊的注意,促进了涂鸦运动的崛起。从1983年起,在近十年的时间里,克拉舍由纽约的悉尼-杰尼斯画廊代理,与凯斯-哈林和让-米歇尔-巴斯奎特共享画廊的墙壁。1984年底,他应邀参加了在巴黎市立美术馆举办的 "5/5 Figuration Libre, France/USA "展览,与Rémi Blanchard, François Boisrond, Robert Combas, Hervé and Richard Di Rosa, Louis Jammes, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Tseng Kwong Chi and Kenny Scharf一起参展。他的作品在美国各地以及西班牙、法国和荷兰都有展出。他可识别的风格将涂鸦字母与肖像结合起来,其灵感来自于漫画、波普艺术和罗伊-利希滕斯坦的本-日过程。除了他的展览,克拉舍还为一些大品牌进行了一些项目,如1988年为荷兰彼得-斯图维森特基金会,或1995年为英美烟草公司和Lucky Strike系列。1996年,他为埃里克-克莱普顿定制了一把电吉他--Fender Stratocaster型号,这位歌手在2001年的巡演中使用了这把吉他。Fender出售了50把这样的吉他,称为Crashocasters。最近,他为绝对伏特加创造了一个视觉效果。2011年,他受TUMI委托,在一个名为Tumi-Tag的系列中创作四款行李。克拉舍的作品已被世界各地众多公共和私人收藏,包括纽约的布鲁克林博物馆和纽约现代艺术博物馆、新奥尔良的NOMA、佛罗里达的康奈尔博物馆、迈阿密的鲁贝尔收藏、洛杉矶的弗雷德里克-R-魏斯曼基金会、雅典的达基斯-约安努基金会、博洛尼亚的曼波博物馆、格罗宁根的格罗宁格博物馆、鹿特丹的博伊曼斯-范布宁根博物馆、阿姆斯特丹的斯特莱克博物馆等。

1,800 EUR

CRUSH - 为生命盖章,2012年,水彩画在310克康森纸上,丝印背景,76 x 57厘米。作为美国街头艺术的先驱,克拉什在世界各地都有展览,他把自己首先定义为涂鸦艺术家。他为Wallworks画廊创作了一个特定系列的34件纸上作品,使用两种祖传的表达方式:丝网印刷和水彩画。每件独特的作品然后用水彩、印度墨水、丙烯酸或拼贴画来加强。这套作品由美国汽车牌照上的作品以及十幅画布上的画作完成,是他在过去20年中的标志性作品。自由地受到美国漫画和波普艺术的启发,Crash的宇宙混合了多种个人参考资料,包括街头艺术(字母、黄金链......)、60和70年代漫画的代码(代表冲击和爆炸的拟声词......),或波普艺术(彩色点,更明确地说,是对Roy Lichtenstein在1963年绘制的作品Whaam!)这个系列的名字--"生命的印记"--对艺术家来说,唤起了这样一个事实:没有什么可以被抹去,他觉得自己被激励他的东西和他是什么所标记了一生:"我已经被标记了一生"。约翰-马托斯1961年出生于纽约,1970年代中期取名为克拉什,13岁时开始在布朗克斯区的地下线路上涂鸦。1979年,他与艺术家Kel、Daze、Zephyr、Dondi和Futura一起参加了 "涂鸦工作室",这是一个由收藏家Sam Esses资助的项目,这使得他们能够转到帆布上。他们都经常光顾神话般的 "时尚摩达",它由斯特凡-艾恩斯(Stefan Eins)于1978年创建,是纽约现场的一个崇拜场所,凯斯-哈林、珍妮-霍尔泽和许多涂鸦艺术家在这里相遇。1980年,克拉什在那里组织了一个展览,题目是 "GAS:涂鸦艺术的成功",这很有先兆。它是如此的成功,以至于曼哈顿的新当代艺术博物馆在同一年再次举办了展览,并略微修改了标题 "活动,时尚摩达"。在Fashion Moda举办的展览随后吸引了美国和欧洲画廊的注意,促进了涂鸦运动的崛起。从1983年起,在近十年的时间里,克拉舍由纽约的悉尼-杰尼斯画廊代理,与凯斯-哈林和让-米歇尔-巴斯基亚同台竞技。1984年底,他应邀参加了在巴黎市立美术馆举办的 "5/5 Figuration Libre, France/USA "展览,与Rémi Blanchard, François Boisrond, Robert Combas, Hervé and Richard Di Rosa, Louis Jammes, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Tseng Kwong Chi and Kenny Scharf一起参展。他的作品在美国各地以及西班牙、法国和荷兰都有展出。他可识别的风格将涂鸦字母与肖像结合起来,其灵感来自于漫画、波普艺术和罗伊-利希滕斯坦的本-日过程。除了他的展览,克拉舍还为一些大品牌进行了一些项目,如1988年为荷兰彼得-斯图维森特基金会,或1995年为英美烟草公司和幸运之神系列。1996年,他为埃里克-克莱普顿定制了一把电吉他--Fender Stratocaster型号,这位歌手在2001年的巡演中使用了这把吉他。Fender出售了50把这样的吉他,称为Crashocasters。最近,他为绝对伏特加创造了一个视觉效果。2011年,他受TUMI委托,在一个名为Tumi-Tag的系列中创作四款行李。克拉舍的作品已被世界各地众多公共和私人收藏,包括纽约的布鲁克林博物馆和纽约现代艺术博物馆、新奥尔良的NOMA、佛罗里达的康奈尔博物馆、迈阿密的鲁贝尔收藏、洛杉矶的弗雷德里克-R-魏斯曼基金会、雅典的达基斯-约阿努基金会、博洛尼亚的曼波博物馆、格罗宁根的格罗宁格博物馆、鹿特丹的博伊曼斯-范布宁根博物馆、阿姆斯特丹的斯特德利克博物馆等,数量惊人。

1,000 EUR

CRUSH - 为生命盖章,2012年,水彩画在310克康森纸上,丝印背景,76 x 57厘米。作为美国街头艺术的先驱,克拉什在世界各地都有展览,他把自己首先定义为涂鸦艺术家。他为Wallworks画廊创作了一个特定系列的34件纸上作品,使用两种祖传的表达方式:丝网印刷和水彩画。每件独特的作品然后用水彩、印度墨水、丙烯酸或拼贴画来加强。这套作品由美国汽车牌照上的作品以及十幅画布上的画作完成,是他在过去20年中的标志性作品。自由地受到美国漫画和波普艺术的启发,Crash的宇宙混合了多种个人参考资料,包括街头艺术(字母、黄金链......)、60和70年代漫画的代码(代表冲击和爆炸的拟声词......),或波普艺术(彩色点,更明确地说,是对Roy Lichtenstein在1963年绘制的作品Whaam!)这个系列的名字--"生命的印记"--对艺术家来说,唤起了这样一个事实:没有什么可以被抹去,他觉得自己被激励他的东西和他是什么所标记了一生:"我已经被标记了一生"。约翰-马托斯1961年出生于纽约,1970年代中期取名 "崩溃",13岁时开始在布朗克斯区的地下线路上涂鸦。1979年,他与艺术家Kel、Daze、Zephyr、Dondi和Futura一起参加了 "涂鸦工作室",这是一个由收藏家Sam Esses资助的项目,这使得他们能够转到帆布上。他们都经常光顾神话般的 "时尚摩达",它由斯特凡-艾恩斯(Stefan Eins)于1978年创建,是纽约现场的一个崇拜场所,凯斯-哈林、珍妮-霍尔泽和许多涂鸦艺术家在这里相遇。1980年,克拉什在那里组织了一个展览,题目是 "GAS:涂鸦艺术的成功",这很有先兆。它是如此的成功,以至于曼哈顿的新当代艺术博物馆在同一年再次举办了展览,并略微修改了标题 "活动,时尚摩达"。在Fashion Moda举办的展览随后吸引了美国和欧洲画廊的注意,促进了涂鸦运动的崛起。从1983年起,在近十年的时间里,克拉舍由纽约的悉尼-杰尼斯画廊代理,与凯斯-哈林和让-米歇尔-巴斯奎特共享画廊的墙壁。1984年底,他应邀参加了在巴黎市立美术馆举办的 "5/5 Figuration Libre, France/USA "展览,与Rémi Blanchard, François Boisrond, Robert Combas, Hervé and Richard Di Rosa, Louis Jammes, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Tseng Kwong Chi and Kenny Scharf一起参展。他的作品在美国各地以及西班牙、法国和荷兰都有展出。他可识别的风格将涂鸦字母与肖像结合起来,其灵感来自于漫画、波普艺术和罗伊-利希滕斯坦的本-日过程。除了他的展览,克拉舍还为一些大品牌进行了一些项目,如1988年为荷兰彼得-斯图维森特基金会,或1995年为英美烟草公司和幸运之神系列。1996年,他为埃里克-克莱普顿定制了一把电吉他--Fender Stratocaster型号,这位歌手在2001年的巡演中使用了这把吉他。Fender出售了50把这样的吉他,称为Crashocasters。最近,他为绝对伏特加创造了一个视觉效果。2011年,他受TUMI委托,在一个名为Tumi-Tag的系列中创作四款行李。克拉舍的作品已被世界各地众多公共和私人收藏,包括纽约的布鲁克林博物馆和纽约现代艺术博物馆、新奥尔良的NOMA、佛罗里达的康奈尔博物馆、迈阿密的鲁贝尔收藏、洛杉矶的弗雷德里克-R-魏斯曼基金会、雅典的达基斯-约阿努基金会、博洛尼亚的曼波博物馆、格罗宁根的格罗宁格博物馆、鹿特丹的博伊曼斯-范布宁根博物馆、阿姆斯特丹的斯特德利克博物馆等,数量惊人。

1,000 EUR

CRUSH - 为生命盖章,2012年,水彩画在310克康森纸上,丝印背景,76 x 57厘米。作为美国街头艺术的先驱,克拉什在世界各地都有展览,他把自己首先定义为涂鸦艺术家。他为Wallworks画廊创作了一个特定系列的34件纸上作品,使用两种祖传的表达方式:丝网印刷和水彩画。每件独特的作品然后用水彩、印度墨水、丙烯酸或拼贴画来加强。这套作品由美国汽车牌照上的作品以及十幅画布上的画作完成,是他在过去20年中的标志性作品。自由地受到美国漫画和波普艺术的启发,Crash的宇宙混合了多种个人参考资料,包括街头艺术(字母、黄金链......)、60和70年代漫画的代码(代表冲击和爆炸的拟声词......),或波普艺术(彩色点,更明确地说,是对Roy Lichtenstein在1963年绘制的作品Whaam!)这个系列的名字--"生命的印记"--对艺术家来说,唤起了这样一个事实:没有什么可以被抹去,他觉得自己被激励他的东西和他是什么所标记了一生:"我已经被标记了一生"。约翰-马托斯1961年出生于纽约,1970年代中期取名 "崩溃",13岁时开始在布朗克斯区的地下线路上涂鸦。1979年,他与艺术家Kel、Daze、Zephyr、Dondi和Futura一起参加了 "涂鸦工作室",这是一个由收藏家Sam Esses资助的项目,这使得他们能够转到帆布上。他们都经常光顾神话般的 "时尚摩达",它由斯特凡-艾恩斯(Stefan Eins)于1978年创建,是纽约现场的一个崇拜场所,凯斯-哈林、珍妮-霍尔泽和许多涂鸦艺术家在这里相遇。1980年,克拉什在那里组织了一个展览,题目是 "GAS:涂鸦艺术的成功",这很有先兆。它是如此的成功,以至于曼哈顿的新当代艺术博物馆在同一年再次举办了展览,并略微修改了标题 "活动,时尚摩达"。在Fashion Moda举办的展览随后吸引了美国和欧洲画廊的注意,促进了涂鸦运动的崛起。从1983年起,在近十年的时间里,克拉舍由纽约的悉尼-杰尼斯画廊代理,与凯斯-哈林和让-米歇尔-巴斯奎特共享画廊的墙壁。1984年底,他应邀参加了在巴黎市立美术馆举办的 "5/5 Figuration Libre, France/USA "展览,与Rémi Blanchard, François Boisrond, Robert Combas, Hervé and Richard Di Rosa, Louis Jammes, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Tseng Kwong Chi and Kenny Scharf一起参展。他的作品在美国各地以及西班牙、法国和荷兰都有展出。他可识别的风格将涂鸦字母与肖像结合起来,其灵感来自于漫画、波普艺术和罗伊-利希滕斯坦的本-日过程。除了他的展览,克拉舍还为一些大品牌进行了一些项目,如1988年为荷兰彼得-斯图维森特基金会,或1995年为英美烟草公司和幸运之神系列。1996年,他为埃里克-克莱普顿定制了一把电吉他--Fender Stratocaster型号,这位歌手在2001年的巡演中使用了这把吉他。Fender出售了50把这样的吉他,称为Crashocasters。最近,他为绝对伏特加创造了一个视觉效果。2011年,他受TUMI委托,在一个名为Tumi-Tag的系列中创作四款行李。克拉舍的作品已被世界各地众多公共和私人收藏,包括纽约的布鲁克林博物馆和纽约现代艺术博物馆、新奥尔良的NOMA、佛罗里达的康奈尔博物馆、迈阿密的鲁贝尔收藏、洛杉矶的弗雷德里克-R-魏斯曼基金会、雅典的达基斯-约安努基金会、博洛尼亚的曼波博物馆、格罗宁根的格罗宁格博物馆、鹿特丹的博伊曼斯-范布宁根博物馆、阿姆斯特丹的斯特莱克博物馆等等。

1,000 EUR

CRUSH - 为生命盖章,2012年,水彩画在310克康森纸上,丝印背景,76 x 57厘米。作为美国街头艺术的先驱,克拉什在世界各地都有展览,他把自己首先定义为涂鸦艺术家。他为Wallworks画廊创作了一个特定系列的34件纸上作品,使用两种祖传的表达方式:丝网印刷和水彩画。每件独特的作品然后用水彩、印度墨水、丙烯酸或拼贴画来加强。这套作品由美国汽车牌照上的作品以及十幅画布上的画作完成,是他在过去20年中的标志性作品。自由地受到美国漫画和波普艺术的启发,Crash的宇宙混合了多种个人参考资料,包括街头艺术(字母、黄金链......)、60和70年代漫画的代码(代表冲击和爆炸的拟声词......),或波普艺术(彩色点,更明确地说,是对Roy Lichtenstein在1963年绘制的作品Whaam!)这个系列的名字--"生命的印记"--对艺术家来说,唤起了这样一个事实:没有什么可以被抹去,他觉得自己被激励他的东西和他是什么所标记了一生:"我已经被标记了一生"。约翰-马托斯1961年出生于纽约,1970年代中期取名 "崩溃",13岁时开始在布朗克斯区的地下线路上涂鸦。1979年,他与艺术家Kel、Daze、Zephyr、Dondi和Futura一起参加了 "涂鸦工作室",这是一个由收藏家Sam Esses资助的项目,这使得他们能够转到帆布上。他们都经常光顾神话般的 "时尚摩达",它由斯特凡-艾恩斯(Stefan Eins)于1978年创建,是纽约现场的一个崇拜场所,凯斯-哈林、珍妮-霍尔泽和许多涂鸦艺术家在这里相遇。1980年,克拉什在那里组织了一个展览,题目是 "GAS:涂鸦艺术的成功",这很有先兆。它是如此的成功,以至于曼哈顿的新当代艺术博物馆在同一年再次举办了展览,并略微修改了标题 "活动,时尚摩达"。在Fashion Moda举办的展览随后吸引了美国和欧洲画廊的注意,促进了涂鸦运动的崛起。从1983年起,在近十年的时间里,克拉舍由纽约的悉尼-杰尼斯画廊代理,与凯斯-哈林和让-米歇尔-巴斯奎特共享画廊的墙壁。1984年底,他应邀参加了在巴黎市立美术馆举办的 "5/5 Figuration Libre, France/USA "展览,与Rémi Blanchard, François Boisrond, Robert Combas, Hervé and Richard Di Rosa, Louis Jammes, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Tseng Kwong Chi and Kenny Scharf一起参展。他的作品在美国各地以及西班牙、法国和荷兰都有展出。他可识别的风格将涂鸦字母与肖像结合起来,其灵感来自于漫画、波普艺术和罗伊-利希滕斯坦的本-日过程。除了他的展览,克拉舍还为一些大品牌进行了一些项目,如1988年为荷兰彼得-斯图维森特基金会,或1995年为英美烟草公司和幸运之神系列。1996年,他为埃里克-克莱普顿定制了一把电吉他--Fender Stratocaster型号,这位歌手在2001年的巡演中使用了这把吉他。Fender出售了50把这样的吉他,称为Crashocasters。最近,他为绝对伏特加创造了一个视觉效果。2011年,他受TUMI委托,在一个名为Tumi-Tag的系列中创作四款行李。克拉舍的作品已被世界各地众多公共和私人收藏,包括纽约的布鲁克林博物馆和纽约现代艺术博物馆、新奥尔良的NOMA、佛罗里达的康奈尔博物馆、迈阿密的鲁贝尔收藏、洛杉矶的弗雷德里克-R-魏斯曼基金会、雅典的达基斯-约阿努基金会、博洛尼亚的曼波博物馆、格罗宁根的格罗宁格博物馆、鹿特丹的博伊曼斯-范布宁根博物馆、阿姆斯特丹的斯特德利克博物馆等,数量惊人。

1,200 EUR

RIME - 乐悠,2014年,丙烯酸和毡尖笔在1966年美国邮筒上,127 × 51 × 54厘米。作为能量的集中体现,Rime的风格是由色彩、运动和光源组成的,艺术家在其中加入了他自己的词汇,这些词汇由卡通世界的生物、符号和多种细节组成。 Rime的风格(又名Jersey Joe)主要受到卡通世界的启发,将充满活力的色彩使用与大量的细节和形式结合起来,始终处于运动状态。在他肆无忌惮的创作中,他在掌握姿态和运用线条的粗细或笔触的变化方面,部署了一种受控的暴力。他从自己的想象中加入动物符号和人物的个人词汇,像象形文字或风格化的文字一样放在画布上。他的二维作品似乎是从墙上浮现出来的,既通过线条和形状的运动来构造它们,又通过他在构图中创造的光源。溢出的细节、人物和符号,每块画布都能让人的眼睛定期检测到未被发现的故事的碎片。就像一首熟悉的歌曲,它的意义突然出现,Rime的作品随着时间的推移被观看和驯服。"在每一条线、每一个标记的背后,我的绘画中有一种能量的形式,即使是在无意识的情况下,也是可以感知的。这就是我努力创造的东西。在巴黎,在所有这些禁闭期间,我长期致力于此:试图找到一种幸福感,克服过去的问题和负担,学会对生活多一点尊重......。当我成功地做到这一点时,它就会转化为我的工作。"Rime(又名Jersey Joe)1979年出生于纽约市布鲁克林区,1991年开始在纽约市斯坦顿岛涂鸦,后来又在曼哈顿的Soho社区和新泽西州涂鸦。2003年,他在欧洲各地旅行了两个月,以笔名Rime和Jersey Joe获得了国际认可。回国后,他开始在画廊展示他的作品。2005年,他离开东海岸,在洛杉矶定居。然后他加入了MSK团队--疯狂的社会国王--由艺术家组成,如Reyes、Revok、Saber、Pose、Trav,或艺术家集体The Seventh Letter。自2021年以来,他一直在法国Eure地区的Vernon生活和工作。 Rime于2019年7月在巴黎的Wallworks画廊居住了6个月,以准备在巴黎举办展览。这一居住地已被Covid延长至2021年1月。"RIME对整个涂鸦艺术字母风格词汇的轻松和了解,几乎是前所未有的。他可以从50年的涂鸦历史中画出几乎任何风格的作品:它们总是看起来很新,参考了任何已知的东西,而且总是他自己的。RIME的作品俏皮而富有个性,充满了色彩和动感,从简单到复杂,从柔和到极端,他是少数几个真正能做到一切的涂鸦者之一。RIME在工作室的新作品是活力的浓缩,展示了他在街头涂鸦中注意完善的笔触和循环。他们将他的喷绘实践与令人难以置信的肌肉记忆和对姿态的掌握相结合。他的卡通人物--他的商标--从他的笔触中跳出来,往往只剩下眼睛或鼻子。像其他涂鸦艺术家一样,他的户外作品的颜色是由当天带到现场的袋子里的任何东西组成的,这使他的作品经常由几十种颜色组成,是自发的。在工作室里,选择范围更小,他的画布上有一些精心挑选的颜色,相互之间有出色的反应。"--卡勒-尼隆,"超越街道,作为当代艺术的破坏行为",2019年

4,000 EUR

CRUSH - 为生命盖章, 2012年,水彩画在310克康森纸上,丝印背景,76 x 57厘米。作为美国街头艺术的先驱,克拉什在世界各地都有展览,他把自己首先定义为涂鸦艺术家。他为Wallworks画廊创作了一个特定系列的34件纸上作品,使用两种祖传的表达方式:丝网印刷和水彩画。每件独特的作品然后用水彩、印度墨水、丙烯酸或拼贴画来加强。这套作品由美国汽车牌照上的作品以及十幅画布上的画作完成,是他在过去20年中的标志性作品。自由地受到美国漫画和波普艺术的启发,Crash的宇宙混合了多种个人参考资料,包括街头艺术(字母、黄金链......)、60和70年代漫画的代码(代表冲击和爆炸的拟声词......),或波普艺术(彩色点,更明确地说,是对Roy Lichtenstein在1963年绘制的作品Whaam!)这个系列的名字--"生命的印记"--对艺术家来说,唤起了这样一个事实:没有什么可以被抹去,他觉得自己被激励他的东西和他是什么所标记了一生:"我已经被标记了一生"。约翰-马托斯1961年出生于纽约,1970年代中期取名 "崩溃",13岁时开始在布朗克斯区的地下线路上涂鸦。1979年,他与艺术家Kel、Daze、Zephyr、Dondi和Futura一起参加了 "涂鸦工作室",这是一个由收藏家Sam Esses资助的项目,这使得他们能够转到帆布上。他们都经常光顾神话般的 "时尚摩达",它由斯特凡-艾恩斯(Stefan Eins)于1978年创建,是纽约现场的一个崇拜场所,凯斯-哈林、珍妮-霍尔泽和许多涂鸦艺术家在这里相遇。1980年,克拉什在那里举办了一个展览,题目是 "GAS:涂鸦艺术的成功",这具有先兆性。它是如此的成功,以至于曼哈顿的新当代艺术博物馆在同一年再次举办了展览,并略微修改了标题 "活动,时尚摩达"。在Fashion Moda举办的展览随后吸引了美国和欧洲画廊的注意,促进了涂鸦运动的崛起。从1983年起,在将近十年的时间里,克拉舍由纽约的悉尼-杰尼斯画廊代理,与凯斯-哈林和让-米歇尔-巴斯奎特同台演出。1984年底,他应邀参加了在巴黎市立美术馆举办的 "5/5 Figuration Libre, France/USA "展览,与Rémi Blanchard, François Boisrond, Robert Combas, Hervé and Richard Di Rosa, Louis Jammes, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Tseng Kwong Chi and Kenny Scharf一起参展。他的作品在美国各地以及西班牙、法国和荷兰都有展出。他可识别的风格将涂鸦字母与肖像结合起来,其灵感来自于漫画、波普艺术和罗伊-利希滕斯坦的本-日过程。除了他的展览,克拉舍还为一些大品牌进行了一些项目,如1988年为荷兰彼得-斯图维森特基金会,或1995年为英美烟草公司和幸运之神系列。1996年,他为埃里克-克莱普顿定制了一把电吉他--Fender Stratocaster型号,这位歌手在2001年的巡演中使用了这把吉他。Fender出售了50把这样的吉他,称为Crashocasters。最近,他为绝对伏特加创造了一个视觉效果。2011年,他受TUMI委托,在一个名为Tumi-Tag的系列中创作四款行李。克拉舍的作品已被世界各地众多公共和私人收藏,包括纽约的布鲁克林博物馆和纽约现代艺术博物馆、新奥尔良的NOMA、佛罗里达的康奈尔博物馆、迈阿密的鲁贝尔收藏、洛杉矶的弗雷德里克-R-魏斯曼基金会、雅典的达基斯-约阿努基金会、博洛尼亚的曼波博物馆、格罗宁根的格罗宁格博物馆、鹿特丹的博伊曼斯-范布宁根博物馆、阿姆斯特丹的斯特德利克博物馆等,数量惊人。

1,200 EUR

NEBAY - 油漆的钥匙》, 2019年,帆布上的丙烯酸和喷墨,130×97厘米。Nebay从未离开过墙壁或街道,他是那些涂鸦艺术家之一,对他们来说,过渡到画布是一个额外的元素,是经验的来源和丰富的发现。他的风格受到纽约同行的启发,他是最早在巴黎人行道和画布上尝试滴落--将颜料扔在地上的人之一。丰富、多彩和充满能量,他的宇宙混合了被劫持的海报、彩色和抽象的污点、狂野的风格和滴在画布上的东西,携带着愤怒的信息,总是掺杂着希望。作为一个有30多年历史的巴黎涂鸦艺术家,Nebay于1987年开始在巴黎街头涂鸦,并加入了JCT - Je Cours Toujours à 100 à l'heure这个集体。内贝生于1973年,是一位街头艺术家,他是他的时代的一部分,并投资于他的环境:城市。他喜欢说,他是 "一个种植色彩的具体园丁"。就在2000年初,在一次为期数月的环游世界的启蒙旅行中,一些东西被点燃了:走到他梦想的尽头,想得很远。他的阅读、遭遇和他所走过的国家的发现--俄罗斯、蒙古、中国、越南、柬埔寨、老挝和泰国--使他意识到他周围的世界以及他想留下的痕迹。回到法国后,他抓住机会,改变了自己的生活,成为一名正式的艺术家。涂鸦是一种短暂的艺术,它比比皆是,迫使他不断重塑和超越自己。归根结底,涂鸦更像是一种生活方式。在与执行空间的共鸣中,它使体验变得生动:在外面、在街道、在桥下、在废弃的地方作画的感觉......。他所创作的外墙是动态的,具有画布上所没有的不规则性。通过占有公共空间和街道,内贝是参与城市生活的古老方法的一部分。涂鸦,一种非法行为,成为一种政治行为:它属于公共领域,同时传达了具有政治、社会或环境内涵的信息。Nebay总是确保将他的媒介转化为一块真正的记忆:集体记忆、事件记忆、个人记忆......通过表达他对身份的寻求、他的感受、他的声明和致敬。因此,参观她的展览的人允许自己在她的陪伴下旅行,捕捉艺术家慷慨地传递给他们的情感。

4,700 EUR

JANA & JS - 我将在你身边,2022年,喷漆和钢印在搪瓷的复古柜门上,168 x 77厘米。奥地利和法国的街头艺术家Jana & Js自2006年以来一直在一起绘画。这对组合创造了各种尺寸的多色钢网壁画。主要基于他们的个人摄影作品,这些钢网似乎对他们的环境做出了反应并与之互动。他们的灵感主要来自于城市及其居民,他们的绘画融合了城市景观和建筑细节与肖像,质疑人类在现代城市中的地位。受到他们设置作品的地方的启发,他们现在专注于怀旧、忧郁。在他们相识的西班牙马德里呆了一段时间,并在巴黎生活了几年后,Jana和Js现在在Laufen(德国),一个靠近奥地利边境的巴伐利亚小城。为了展示他们的作品,他们选择见证物理时间和历史流逝的旧材料。他们在意想不到的空间进行艺术创作,在公共基础设施或半成品/拆解产品/空间上印制模版,如铁轨、旧建筑、电线杆、混凝土块、旧卡车、木头堆......他们从每一个他们访问的地方得到深刻的启发,破译城市景观中意想不到的方面的社会意义。但在他们的作品中,最引人注目的不是观点本身,而是有着生存困境的人。他们有一种独特的方式将人们、他们的情感、欲望和关切与他们的环境联系起来。他们的城市干预将他们的主题与环境融合在一起,引发反思并让观众参与到艺术对话中。

5,200 EUR

JANA & JS - 你能看到我吗? 2022年,喷漆和钢印在搪瓷的老式储物柜门上,168 x 77厘米。奥地利和法国的街头艺术家Jana & Js自2006年以来一直在一起绘画。这对组合创造了各种尺寸的多色钢网壁画。主要基于他们的个人摄影作品,这些钢网似乎对他们的环境做出了反应并与之互动。他们的灵感主要来自于城市及其居民,他们的绘画融合了城市景观和建筑细节与肖像,质疑人类在现代城市中的地位。受到他们设置作品的地方的启发,他们现在专注于怀旧、忧郁。在他们相识的西班牙马德里呆了一段时间,并在巴黎生活了几年后,Jana和Js现在在Laufen(德国),一个靠近奥地利边境的巴伐利亚小城。为了展示他们的作品,他们选择见证物理时间和历史流逝的旧材料。他们在意想不到的空间进行艺术创作,在公共基础设施或半成品/拆解产品/空间上印制模版,如铁轨、旧建筑、电线杆、混凝土块、旧卡车、木头堆......他们从每一个他们访问的地方得到深刻的启发,破译城市景观中意想不到的方面的社会意义。但在他们的作品中,最引人注目的不是观点本身,而是有着生存困境的人。他们有一种独特的方式将人们、他们的情感、欲望和关切与他们的环境联系起来。他们的城市干预将他们的主题与环境融合在一起,引发反思并让观众参与到艺术对话中。

5,200 EUR

MOTTE - La Foule130 x 195 cmAcrylique et aérosol sur toileNé en 1980, à Decize (Nièvre), Motte grandit en Rhône-Alpes à la campagne. A partir des études supérieures, c’est une vie plus citadine qui s’ouvre à lui : Lyon, Roanne puis Clermont-Ferrand.Après une première année aux Beaux Arts de Lyon, Motte se dirige vers un cursus d’études professionnalisant. Il décroche un diplôme en Arts Appliqués, spécialisation graphisme/édition et publicité puis une licence en stylisme.Il débute en stylisme textile, puis direction artistique en agence de communication, et en direction marketing dans l’automobile. Mais la créativité s’estompe au fil des années professionnelles au profit des chiffres et des dossiers. La peinture et le dessin sur temps libre ne suffisent plus.Eté 2016, sa participation à la fresque anniversaire du tramway (campus des Cézeaux), le pousse à créer son activité de peinture murale. Il réalise depuis des fresques sur commande pour les particuliers, les entreprises, les acteurs publics, ou encore des ateliers pédagogiques, ….Ces inspirations sont nombreuses : voyages, bande dessinée et comics, mouvements punk et hip-hop, contre-culture et sous cultures populaires, contes pour enfant classiques et contemporains, cinéma populaire américain, pulp culture, …Motte dessine depuis tout petit, dessin, gouache et aquarelles, reproduction d’oeuvres classiques ou bandes dessinée. A l’adolescence, il découvre les contre-culture et cultures alternatives, le graffiti vandale lui offre ces premiers pas en peinture murale.Durant les études artistiques, la production d’oeuvres collectives, le graffiti en groupe le mènent vers des réalisations à la fois illustrative et narrative.Aujourd’hui, son temps est rythmé entre le travail en atelier pour une production d’oeuvres pour galerie ou exposition, dans une ambiance colorée et pop, mêlant illustration/typographie/humour, illustrations aquarellées naïves ou encrées réalistes,… et le travail en « extérieur » de fresques murales.

3,500 EUR

Speedy Graphito - Spray Can102 x 70 cmSérigraphie unique peinte à la main sur Coventry Rag Vellum 320gArtiste précurseur d’avant-garde, reconnu comme l’un des pionniers du mouvement " Street’Art " français (Art contemporain urbain), Speedy Graphito s’impose aujourd’hui internationalement comme l’un des artistes majeurs de sa génération.Depuis le début des années 80, juste après la figuration libre, SG imprègne du " Style Graphito " la mémoire collective et les murs de Paris en les colorant de ses graphismes percutants.SG produit de l’Art.Aussi prolifique qu’inventif, SG utilise toutes les formes d’expression - peinture, sculpture, installation, photo ou vidéo, pour créer à travers son œuvre et au fil des époques un langage universel imprégné de l’air du temps.Élaborées par thèmes, ses expositions se succèdent offrant des univers toujours nouveaux et surprenants. N'ayant de cesse d’évoluer et de se réinventer, sa marque de fabrique est celle d'un art joyeux et profond, aux couleurs souvent vives, dans lequel il bouscule de façon ludique et ironique nos systèmes de perception. Dans cette démarche, il n'hésite pas à s’approprier pour la détourner toute l’imagerie de la culture populaire, des super héros, voire des marques, réalisant ainsi un décryptage quasi-systématique de notre inconscient collectif. Il décline alors en autant d'interrogations les normes et les diktats de notre identité culturelle occidentale, superposant à la réalité de notre société une dimension plus poétique.Lorsque SG use d’un dictionnaire imaginaire personnel précis, et que celui-ci se trouve de manière tangible relié à l’histoire de l’Art, c’est en réalité qu’il est le plus souvent enclin à en fournir les clés. Là, tout un chacun trouvera s'il le souhaite, une bonne raison de poursuivre une quête plus personnelle. Les thèmes de l’enfance et de la mort, depuis toujours largement présents, confèrent aux œuvres un caractère plus autobiographique, inspirées de ses pérégrinations et de ses voyages intérieurs. Toutes sont une invitation au voyage et à l’éveil. L'œuvre, dans son ensemble, est celle d’un passeur, marquée de l'empreinte onirique d’un véritable iconoclaste.Aussi à l’aise dans les performances picturales publiques que dans l’intimité de son atelier, SG se donne corps et âme à sa passion. Dans l’urgence du temps qui passe, il agit selon un mode " Survie ".SG est un artiste populaire. C’est la commande de l’affiche pour “La Ruée vers l’Art” en 1985 par le Ministère de la Culture qui lui confère aussitôt une large reconnaissance et une notoriété grand public.S’ensuivront l’animation des tours de la Défense pour le concert de JM Jarre - l’identité graphique extérieure de la Halle Saint Pierre - la création du logo de la mission spatiale Altaïr dont le dessin est encore quelque part dans l’espace intergalactique - la peinture de la péniche Europodyssée qui rejoint via les canaux Paris à Moscou, des voiles d’un catamaran pour une traversée de l’Atlantique en solitaire, et des murs de Paris le long du Parcours de la Bièvre…

6,500 EUR

Jacques VILLEGLÉ - Boulevard Pereire198833 x 55 cmAffiches lacérées marouflées sur toileArrivée à un certain point de notoriété, voire de reconnaissance, une œuvre ne peut qu’être offerte à l’exégèse. Finie la linéarité du récit. Finie l’unicité chronologique. Livrer une œuvre à l’interprétation, c’est dessiner des perspectives nouvelles pour la comprendre. C’est la rejouer sans cesse. C’est en souligner la complexité. C’est montrer que l’un est multiple, contradictoire et que c’est au titre de la complexité et des dilemmes qu’elle affronte, qu’elle affirme sa richesse. On a longtemps dit et cru que l’œuvre de Jacques Villeglé était une et indivisible. À la différence de celle de l’ami Raymond Hains, elle se serait affirmée très tôt comme un bloc homogène, moins fragmenté, moins éclaté. Plus, elle lui aurait opposé une solution de continuité quand celle de Hains n’aurait jamais procédé que de ruptures et se serait constituée tel un archipel ou une constellation, un rébus. La récente rétrospective du Centre Pompidou a clairement mis en évidence une toute autre vérité. L’œuvre de Villeglé s’y révélait dans sa diversité, offrait une multiplicité de pistes et de recherches. Les affiches lacérées, certes, mais les Alphabets, le film, l’écriture voire les premières sculptures : Villeglé y apparait non pas comme l’homme d’un seul geste réitéré, répété au fil du temps mais aussi comme un chercheur, un descripteur, un « recycleur » pour paraphraser Pierre Restany. « Un recycleur du travail des autres, un recycleur du réel urbain, industriel, publicitaire », dans lequel Restany voit l’essence du mouvement qu’il parrainait en 1960, mais aussi un recycleur de lui-même. Là est sans doute l’un des points spécifiques de l’art de Villeglé : devenir le recycleur de lui-même, appréhender son propre travail comme une matière à pétrir sans cesse, à reformer et reformuler.

25,000 EUR

Greg Guillemin - NF猫60 x 60 cm2022丙烯酸和气雾剂在画布上Greg Guillemin法国艺术家,生于1967年,生活和工作在巴黎Greg Léon Guillemin是一位法国艺术家,生于1967年。他的《英雄的秘密生活》系列作品取得了巨大的成功,该作品以流行文化中的英雄为主题,他将这些英雄沉浸在日常的场景中,从中获得乐趣。在做了20年的艺术总监后,他在2010年决定自己创作。他提出的第一批作品是由Photoshop和IIlustrator想象出来的,并以数字形式分发。他的《风格练习》和《纸上英雄》系列使公众感到兴奋,互动是直接的。2013年,由于《英雄的秘密生活》系列,他在不放弃数字的情况下,尝试使用丙烯酸树脂。他的第一次展览在欧洲和美国都获得了巨大的成功。在接下来的 "流行偶像 "和 "流行混合 "系列中,艺术家继续撼动他神圣的英雄,有时是幽默,有时是以更批判的方式。转移注意力是他工作的核心。如果他从极客文化(漫画、电子游戏、科幻小说......)中汲取灵感,那么他被明确认定为新的波普艺术艺术家,因为他愿意把流行文化和日常生活中的元素带入艺术。今天,媒体和品牌经常要求他提供原创性的插图、封面,甚至合作。他的图形力量,让人联想到罗伊-利希滕斯坦(Roy Lichtenstein)的作品,很有吸引力,格雷格-"莱昂"-吉列明在短短几年内成功地从数字世界中挣脱出来,融入世界各地的画廊、杂志和艺术节。

售价待询

Greg Guillemin - 觉醒120 x 120厘米2021丙烯酸和气雾剂在画布上Greg Guillemin法国艺术家,生于1967年,生活和工作在巴黎Greg Léon Guillemin是一位法国艺术家,生于1967年。他的《英雄的秘密生活》系列作品取得了巨大的成功,该作品以流行文化中的英雄为主题,他将这些英雄沉浸在日常的场景中,从中获得乐趣。在做了20年的艺术总监后,他在2010年决定自己创作。他提出的第一批作品是由Photoshop和IIlustrator想象出来的,并以数字形式分发。他的《风格练习》和《纸上英雄》系列使公众感到兴奋,互动是直接的。2013年,由于《英雄的秘密生活》系列,他在不放弃数字的情况下,尝试使用丙烯酸树脂。他的第一次展览在欧洲和美国都获得了巨大的成功。在接下来的 "流行偶像 "和 "流行混合 "系列中,艺术家继续撼动他神圣的英雄,有时是幽默,有时是以更批判的方式。转移注意力是他工作的核心。如果他从极客文化(漫画、电子游戏、科幻小说......)中汲取灵感,那么他被明确认定为新的波普艺术艺术家,因为他愿意把流行文化和日常生活中的元素带入艺术。今天,媒体和品牌经常要求他提供原创性的插图、封面,甚至合作。他的图形力量,让人联想到罗伊-利希滕斯坦(Roy Lichtenstein)的作品,很有吸引力,格雷格-"莱昂"-吉列明在短短几年内成功地从数字世界中挣脱出来,融入世界各地的画廊、杂志和艺术节。

售价待询

L'ATLAS - 让我们回到画布上 技术:帆布上的丙烯酸和喷雾。格式: 80 x 40 cm在黑色的美国盒子里装框出售。实现的年份:2022年At Down画廊随时准备为您提供有关该作品收购的更多信息。阿特拉斯生于1978年生活和工作在。法国巴黎 48°51' 23.8104 "N,2°21' 7.9992"EL'Atlas在90年代开始涂鸦。他对线条和文字的工作非常着迷,去摩洛哥、埃及和叙利亚学习传统的阿拉伯书法。他对Kufi特别感兴趣,这是一种几何字体,他将其代码转变成拉丁字母,从而创造了他自己的字体。阿特拉斯尝试使用多种媒体,如摄影、绘画和录像。在电影业工作了一段时间后,他学会了传统的编辑技术,并拍摄了几部纪录片,他开发了一个图像宇宙,在那里每个字母都被认为是一种形式,而每个形式都是一个字母。渐渐地,城市本身在他看来充满了标志,他用一个印记系统收集这些几乎抽象的痕迹。一个一丝不苟的艺术家在寻求某种纯粹性,无论是在形式上还是在色彩的节约使用上。根据东方思想,二元性是互补性的来源,在他的生活和艺术中发挥了重要作用。正是从这一点上,他吸取了他的艺术方法的精华。在他的大部分作品中,反复出现了黑与白的对立。他经常被比作1960年代末的意大利抗议运动 "贫穷艺术"。 他大多放弃了可能使他依赖经济和文化机构的重型设备。他非常重视这个过程,更确切地说,是重视创造性的姿态他在标志和书法方面的工作将他引向其他形式的街头干预。与泽夫斯一起,他成为后涂鸦运动的人物,并设计了一系列城市干预措施,如绘制城市罗盘,包括一个面向乔治-蓬皮杜中心的罗盘,有时用他最喜欢的工具之一--gaffer制作。他的另一项技术包括通过接触来获取沙井盖的印记。L'Atlas的作品旨在调和城市与人,外部与内部。随着时间的推移,他的艺术实践与他在街道上的存在同步发展,走向了经得起时间考验的作品构思,并自然而然地成为城市的一部分,就像海报或苏格兰罗盘成为城市的一部分一样,在合适的展览空间里,不失为争论和颠覆精神的特征。

4,200 EUR

TANC - ULTRAMARINE 82 Huile sur toile peinte directement au tube.86 x 76 cm Encadrée en caisse américaine noire. Signée et datée au dos "Tanc 2021"La galerie At Down est à votre disposition pour plus de renseignements sur l'acquisition de cette oeuvre.TANC : Né en 1979 à Paris.Vit et travaille à Paris. Tanc a déjà exposé à travers le monde. Ce qui le caractérise, c'est l'unicité de son style, une caractéristique qu'on comprend plus quand on apprend que Tanc a grandi avec le graffiti. Il considère que l'art de la rue est éphémère et que l'action est plus importante que le résultat. Pour lui "artiste est un mode de vie", l'investissement doit être total et l'intégrité absolue. Au début des années 2000, il se concentre sur un travail d'atelier et se démarque tout de suite des graffeurs traditionnels par son travail basé sur le trait. Une recherche sur la synthèse. D'abord de son nom, puis de celle des tags en général, puis des personnes, de la musique, et pour finir de son sujet préféré : la vie.Essentiellement basé sur le trait, son travail ne cherche pas à être parfait mais plutôt spontané. C'est l'état dans lequel il est qui va définir sa densité et sa rigueur. Son rythme cardiaque actionne son bras à la manière d'un métronome, il ne doit pas essayer de contrôler ce flux mais juste de comprendre la composition qu'il fait apparaître en équilibre entre son conscient et son inconscient. Il compose sa musique et ses toiles d'une manière spontanée.Il est dense ou léger, rigoureux ou déstructuré, Tanc ne joue pas, il vit son art. Il signe ses toiles Tanc comme il signe les murs de ses tags depuis l'adolescence. Cette discipline est d'abord l'exutoire instinctif d'un besoin d'expression : il se réapproprie l'espace urbain en criant son nom à la ville avec force.Bientôt, les lettres disparaissent et Tanc s'engage dans une recherche formelle abstraite. En concentrant son travail sur le trait et la couleur, il renouvelle la recherche picturale classique en la confrontant à la vivacité première de l'art de la rue : prépondérance de l'action, perfection du geste, acceptation de l'aléa et expression d'une singularité forte. Avant tout, ses œuvres frappent par leur intensité, leur musicalité et la vibration des lumières et des matières. L'action, l'énergie et l'émotion de l'artiste touchent le spectateur de la façon la plus sensuelle, intime et immédiate.

4,800 EUR